«Convergentes» es una exposición que refleja la diversidad y el dinamismo del arte contemporáneo. Reúne una rica variedad de disciplinas artísticas, sin embargo, todos ellos comparten un elemento común: su relación con Color3arte. Durante años, hemos tenido el honor de plasmar en papel sus ideas, de materializar sus visiones y de ser un vínculo entre su creatividad y el mundo. La belleza de esta exposición reside en su heterogeneidad, en la forma en que estas obras, aunque divergentes en su estilo y temática, convergen en un hilo común de expresión creativa, utilizando la impresión Giclée como una poderosa herramienta para la creación artística.

La inauguración de la galería Color3arte y de esta primera exposición, es más que una celebración de las obras de arte y los artistas. Es un agradecimiento a todos nuestros clientes, quienes confiaron en nosotros para dar vida a sus creaciones. Su apoyo y lealtad durante estos ocho años han sido la piedra angular de nuestro éxito.

Bienvenidos a «Convergentes», bienvenidos a la Galería Color3Arte.

Manuel García Linares

En el corazón de Asturias, a orillas del río Navegas, nació una visión artística con fuerza y pasión. Las pinceladas maestras de Don Manuel García Linares han trazado un camino de arte, emoción y recuerdo que atraviesan continentes y décadas. Su vida, un lienzo rico y colorido, es un testimonio de su tenacidad y pasión que se encuentra plasmada en sus obras que desafían las barreras del tiempo y la geografía. Desde la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo hasta los talleres de dibujo de Saint Germain en París, su viaje artístico ha sido un eco de su espíritu intrépido. Con obras que adornan los prestigiosos muros del Museo Reina Sofia, García Linares ha logrado elevarse hasta convertirse en una de las figuras más respetadas y admiradas del arte español.

Manuel García Linares

Manuel García Linares es un artista polifacético, pero fundamentalmente pintor, español, nacido en Navelgas, en el concejo de Tineo, Principado de Asturias, en 1943.

Biografía

Era hijo de Manuel García García, conocido como «Lulo Nieto», y Enriqueta Linares Martínez, que además de llevar su casa, regentaba un bar-pensión en Navelgas, localidad asturiana que se constituirá en el centro de toda su pintura. Como consecuencia de tener que realizar largos tiempos de reposos por motivos médicos, se comenzó a aficionar a la lectura de biografías de grandes pintores, cosa que le hace pensar que él mismo puede llegar a ser un gran artista de la pintura. y se entusiasma con la idea de que él mismo podría llegar a ser un gran artista, y a partir de ese momento comienza a copiar las obras de grandes pintores que veía en los libros que tenía a su alcance.

Comienza entonces a recibir lecciones en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo. Allí tiene como profesores, a Adolfo Folgueras, Rafael Borbolla, Manolo Segura, Antonio Miño y Magín Berenguer, entre otros.

También recibió formación en los talleres de dibujo de Saint Germain, de París, Francia, en el año 1962. Pasa una etapa de residencia alternada entre París y Oviedo.

En 1965 establece, ya definitivamente su residencia en la capital de España, y decide recibir clases de desnudo natural en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En la década de los 70 decide emprender un viaje a América Central, abriendo un nuevo ámbito en su atención artística y humana.

En 1972 Inicia su colaboración con la galería Tassili de Oviedo, el cual se verá interrumpido a partir de 1982 por el cierra de la galería, pasando en ese momento a exponer su obra, cada tres o cuatro años, en la galería Murillo de Oviedo.

En 1975, Manuel García Linares se casa con una profesora de inglés, Isabel Marsá Valdovinos. El matrimonio se traslada a Inglaterra, donde establece su domicilio en Sheffield. Mientras reside allí, participa en actividades del Departamento de Español de la Universidad local y colabora con Alan Yates, que iniciará posteriormente contactos con la Universidad de Oviedo, que se mantienen a día de hoy.

A su vuelta a España, inicia diversas acciones con la finalidad de movilizar a los paisanos de su pueblo natal, siguiendo así la pauta comenzada con anterioridad, en la que promovió la creación de la Asociación de Vecinos de Navelgas y la fundación del periódico “El Cuarto de los Valles”.

En 1979 se organiza por primera vez El Día de los Pueblos de Asturias de Navelgas, que pretendía hermanar entre sí a diversas localidades de la región.

En 1983 pasa a convertirse en jurado del Certamen Nacional de Pintura de Luarca, y coincidiendo con el acto, se publica un libro sobre su vida y obra dirigido por Jesús Villa Pastur y Evaristo Arce.

Además, en la década de los años 80 decide a diversificar su obra utilizando nuevas técnicas, bien las cerámicas, bien el diseño de obras como el trofeo del Premio Asturias de periodismo, que concede anualmente el Centro Asturiano de Madrid, del que es miembro activo.

En 1989, presenta en Madrid y Oviedo el libro «Molinos de agua y maquila», con el que pretende defender la conservación de estos elementos etnográficos, siendo autor tanto de texto como de ilustraciones. En septiembre, de ese mismo año, es recibido en audiencia por el entonces Príncipe de Asturias, Don Felipe de Borbón, a quien hace obsequió con un ejemplar de la obra, que presenta un prólogo cuyo autor es Julio Caro Baroja. No es este su único libro, sino que a este le siguen posteriormente otras publicaciones, como son «A ras de tierra» (1991), «Asturias, de campo a mar» (1992) y «La caza en Asturias» (1994).

Actividad artística

Certámenes, concursos, premios y homenajes

En 1960, presenta para el certamen anual convocado por Educación y Descanso en Oviedo una obra, consiguiendo una mención de honor, con el cuadro titulado «Vagabundos».
En 1964, es elegido representante a Asturias para el certamen nacional organizado por la Obra Sindical en Madrid y gana la medalla de plata. En 1969 obtiene la medalla de bronce en la I Bienal Julio Garllo de Gijón, en la que salen vencedores Adolfo Bartolomé, medalla de oro, y Eduardo Úrculo, medalla de plata.
En 1971, coincidiendo con una exposición organizada por la Galería Altamira, en Gijón, un óleo suyo obtiene un accésit en el Certamen Nacional de Pintura de Luarca.
En 1972 obtiene otro accésit en el Certamen Nacional de Pintura de Luarca, en el cual más adelante conseguirá también un primer premio y mención honorífica en acuarela.
En 1974 es seleccionado para participar en la I Bienal de Arte Ciudad de Oviedo con un cuadro que finalmente fue adquirido por la Caja Rural de Asturias.
En 1981 participa en la I Bienal «La Carbonera», de Sama de Langreo, donde, a modo de premio, se le compra el cuadro que ha presentado a concurso.
En 1983 es homenajeado en el Certamen de Pintura de Luarca, entrando a formar parte de su jurado a partir de entonces.
En 2010 recibe el VII Lar Vial de Tuña, galardón que le es concedido por la asociación de mujeres «Cuarto La Riera», la Hostelería de Tuña y la Asociación Cultural de este mismo pueblo por su compromiso no sólo con su pueblo natal, sino también con todo el concejo de Tineo.
En 2012 se le entregó la «Amuravela de Oro», premio de la asociación Amigos de Cudillero.
En 2020, su localidad natal, Navelgas, le dedicó una calle.
En 2021, la ciudad de Oviedo le nombró hijo adoptivo.

Exposiciones colectivas

1981 Forma parte de la exposición colectiva “Panorama 81 del Arte Asturiano”, celebrada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
1983 Participa en una colectiva celebrada en el Salón de Naciones de París, Francia.
Exposiciones individuales
En 1960 mismo año lleva a cabo su primera exposición individual, realizada en los bajos de la cafetería ovetense Rívoli.
En 1966 muestra su obra en la Caja de Ahorros de León.
En 1968 exhibe óleos y dibujos en el “Club Pueblo”, sala de exposiciones del diario vespertino madrileño.
En 1969, exhibió su obra en el Ateneo de Gijón, en la galería Abril de Madrid, y también en la Embajada
Española de Lisboa.
En 1970, expone en la galería L’Ami des Lettres de Burdeos, siendo su primera exposición en Francia.
En 1971 lleva a cabo, en la cafetería Tiki Tabú de Gijón, una exposición-encuesta, organizada por la galería Altamira.
En 1972 expone en el salón Oller de la Casa de España en San Juan de Puerto Rico.
En 1974 expone sus óleos en la galería Marqués de Uranga de Gijón. En 1976 expone en la Vision Gallery de Sheffield, Inglaterra.
En 1980 expone en la Woodstock Gallery de Londres.
A su regreso a España, tras su residencia en el Reino Unido, expone sus óleos en las galerías Balboa 13 de Madrid, Bernesga de León y Vicent de Gijón.
En 1981 expone en la Galería Iris de Salamanca. Y por primera vez en la sala de arte Tioda, que como consecuencia del cierre de la galería Vicent, pasa a ser su único enlace profesional con el público de Gijón.
En 1982 expone por primera vez en la sala de arte Espí de Torrelavega (Cantabria), además de hacerlo también en la galería Aktuaryus de Estrasburgo, de la mano del decano de la Facultad de Filología Románica, André Labertit.
En 1983 expone la sala de la Caja de Ahorros Popular de Valladolid.5 En los años siguientes, exhibe con regularidad su obra en Madrid, Oviedo, Gijón y Estrasburgo, donde presentará sus esculturas en 1985.
En 1992 lleva a cabo una exposición retrospectiva de su obra en el Centro Cultural Galileo de Madrid.
En 1994 expone en el Centro Asturiano de Madrid, que tenía como finalidad recaudar fondos para Mensajeros de la Paz; también en ese mismo año, expone en la sala Murillo de Oviedo, donde vuelve a repetir entre el 18 de noviembre y el 11 de diciembre del año 2010.

Obra pública

La lechera, 1996, plaza Trascorrales, Oviedo, Asturias.
Monumento a Marino Gutiérrez Suárez, 1997, Parque de Dolores F. Duro, La Felguera, Langreo, Asturias.
¡Adiós Cordera!, 2002, plaza General Ordóñez, Oviedo.
Monumento a Jesús, el Pirulero, 2007, calle Nacho Martínez, Mieres, Asturias.
Monumento a Luis Riera Posada, 2008, plaza de la iglesia de San Juan el Real, Oviedo.

Teresa Mulet

Artista y comunicadora visual transdisciplinaria, habita en la intersección entre Barcelona y Caracas, y su obra es un constante proceso de evolución y reflexión. Su trabajo, profundamente arraigado en una exploración crítica del lenguaje, cruza fronteras entre arte, tipografía, objetos, literatura y más, desafiando las convenciones y explorando los límites del texto y su contexto. Mulet se sumerge en una indagación centrada en la violencia, un tema recurrente en sus proyectos expositivos, que nace de su experiencia en Venezuela y se resignifica en el contexto del Mediterráneo. Su arte es una respuesta a la precariedad del estado de derecho y a la deshumanización que prevalece en situaciones de violencia social. Con proyectos como «Campos de Control» y «Tipo Inútil», Mulet invita a agitar las aguas en aparente calma de nuestras percepciones, cuestionando sistemas políticos, culturales y epistemológicos, y proponiendo un arte que altera ficciones y ensaya nuevas realidades. Es una llamada a mover lo que está fijo, a temblar en el acto de pensar y crear.

Teresa Mulet

teresa mulet, caracas, 1970

vive entre barcelona-caracas

siempre en proceso…

artista — comunicadora visual
[trans]disciplinaria:

arte, gráfica, tipografía, palabras, objetos, libros, videos, instalación, comunicación, sonido, voz, cuerpo, acciones, performance, crítica, filosofía, poesía, literatura, educación.

intentar decir lo indecible,
contar lo incontable,
ensayar, equivocarse, indagar,
mostrar, agitar…

Ha sostenido una indagación centrada en el problema de la violencia, tópico central de sus últimos proyectos expositivos. Su estrategia ha sido la del cruce de procedimientos gráficos, performáticos e instalatorios, los cuales encara a partir de patrones de reproducción que emulan el efecto reiterado de la violencia. Es un trabajo que tiene como origen el contexto de Venezuela, lugar en el que mulet vivía cuando lo concibió, pero que se re-significa de manera radical en el contexto del Mediterráneo. Hace referencia a las diversas formas de violencia social que acaban expandiendo y generalizando el miedo y el horror de vivir en un determinado lugar, enfocando la precariedad del estado de derecho, la impunidad y el menosprecio de la vida humana.

Su insistencia en la investigación del lenguaje (la palabra), explorando con el proyecto tipo inútil diversos medios (animación, instalación, objetos, libros) y materiales (textil, caucho, plexiglás, plástico, resina, papel). Siempre interrogando los límites entre el texto y su contexto. Consciente de que vivimos en una cultura transnmedial en la cual los signos saltan de un medio a otro con entera naturalidad, en mulet la letra puede ser un cuerpo material o virtual, o bien la contrahuella del sentido, abandonando su función lingüística para convertirse en concepto. Simplemente ya no se puede hacer nada útil con el lenguaje, excepto hurgar con atención en los intersticios del texto para discernir entre sentido y contra-sentido.

En su proyecto campos de control, muestra las fluctuaciones entre lo que esta contenido y sus desbordamientos. Señala las estructuras que controlan y des-controlan, no sólo la circulación
de la información, sino su significado, sus sentidos. Haciendo simil con las infraestructuras hidráulicas, los monocultivos de los campos de arroz, las fronteras nacionales, los campos
de conocimiento y del lenguaje. En la instalación-penetrable invita a entrar y agitar las aguas en aparente calma, abriendo preguntas que ponen en tensión los sistemas políticos, culturales y epistemológicos.

Revisa e indaga entre archivos y ruinas (personales e historicos). Proponiendo un nuevo dispositivo libro–mural (performance-de-una-imagen-impresa). Desde lo intimo (libro) a lo público (mural). Lo fotográfico toma cuerpo, dobla-desdobla sentidos. Construcción y desconstrucción de la imagen. La ruina en la imagen y de la imagen. El paso del tiempo, la transformación entre cuerpo y territorios. Fragmentos de una imagen: vida, precariedad, archivo, casa, ruina.

imaginario de la agitación su intención con el arte es alterar ficciones y ensayar otras. Es rastrear la senda que atraviesan los movimientos de agitación y resignificar los gestos ritualizados e imperceptibles en el cuerpo. Es cuestionar
el sentimiento de estabilidad. Mover lo que esta fijo.
«No podemos no temblar en el momento de pensar, de escribir y, sobre todo, de tomar la palabra, en particular cuando a falta de fuerza y de tiempo, lo hacemos de manera más o menos improvisada; y sobre todo cuando se trata de interrogarse». [Derrida]

Exposiciones individuales

—
la casa en la intemperie. archvo-ruina. libro mural

Galería Carmen Araujo. Hacienda la Trinidad. Caracas, 2022

—

campo de control. [des]control
Lo Pati. Centro de Arte de las Tierras del Ebro, Amposta – España, 2019

—

in-contable. ejercicios sobre la violencia.
Centro de Arte La Casa Elisalde. Barcelona, 2018

—

entre utopías y realidades. cada-ver-es. cada-véz-más.
Acvic [Centre d’Arts Contemporànies]. Vic, España, 2016

—

tipo inútil. palabra silente.
ONG. Organización Nelson Garrido. Caracas, 2014

—

cada-ver-es. cada-vez-más.
El Anexo. Arte Contemporáneo. Caracas, 2010

—

tipo útil. letra flex.

Espacio-t. Periférico Caracas. Arte contemporáneo, Caracas 2008

—

tipo útil. cuadra.

Espacio-t. Periférico Caracas. Arte contemporáneo, Caracas 2008

—

tipo útil. signos.

Espacio-t. Periférico Caracas. Arte contemporáneo, Caracas 2007

Colecciones

— colección nacional de arte contemporáneo
de la generalitat de catalunya

— colección museo de arte contemporaneo de caracas
— colección c&fe
— colecciones particulares

Art fair

— cada-ver-es. cada-vez-más
ArteBA. Galeria Carmen Araujo. Buenos Aires, 2019

— ejercicio contable
Ch.ACO. Galeria Carmen Araujo. Santiago de Chile, 2019

— ejercicio volumen
ARCO. Galeria Carmen Araujo. Madrid, 2018
— memoria Perna

Pinta. El Anexo. Arte Contemporáneo, Miami, 2018

— tipo inútil . palabra-silente.

Pinta. El Anexo. Arte Contemporáneo, Miami, 2014

Exposiciones colectivas

— bienal del sur. juntos y aparte. banderas.

Cúcuta. Colombia, 2021

— palabras en caída libre. ddhh.
Plata. Córdoba, España 2021

— adquisicions. mamt.
Museu D’art Modern de la Diputació de Tarragona, 2021
— art i natura.
Lo Pati. Centro de Arte de las Tierras del Ebro, Amposta, 2021

— recreando ruinas.

La Escocesa. Fabrica de creación. Barcelona, 2021

— pasar-parar. hidro–gráfias. [entre–ríos].
Casa Luis Perou de la Croix. Bucaramanga – Colombia, 2019

— señales de la erosión
Carmen Araujo. arte. Caracas, 2019

— [personal]–geografías–.

Centro Cultural de Belgrado, Galería Podroom, Belgrade. Serbia, 2018

— caracas reset.
La Colonie (Kader Attia). Paris, 2018
— poli(criti)ca.
Fugaz. Lima, 2018
— caracas in-ter-ve-ni-da.
Centro de Arte La Trinidad. Caracas, 2017

— collezione 20 anni salone satellite.
international design salon. Milano, 2017
— traslocaciones experiencias temporales,
prácticas artísticas y contextos locales.
Centro de Arte. Arts Santa Mónica. Barcelona, 2015

— jóvenes con fia. [artista invitada]

Centro de Arte los Galpones. Caracas, 2015
— ducumental [papel]

El Anexo. Arte Contemporáneo. Caracas, 2015
— bid2014. bienal internacional de diseño
Matadero Madrid, 2014

— indagación y seguimiento.
Sala Mercantil. Caracas, 2014

— cada-ver-es. cada-vez-más.

Galeria d’Museo. Caracas, 2014

— bienal iberoamericana de diseño.

Museo de Casa Brasilera. Sao Paulo, 2013

— diálogos contemporáneos desde la colección.

Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. MACC, Caracas 2013

— documental

El Anexo. Arte Contemporáneo. Caracas, 2011

— el quinquenio. El anexo arte contemporáneo.
La Caja. Centro Cultural Chacao. Caracas, 2011

— salone satellite. tipo útil

international design salon. Milano, 2011

— bienal internacional de arte contemporáneo

la pantalla y el marco. [artista invitada]
ULA. Universidad de Los Andes. Mérida, 2010

— eco-design
FAU. Universidad Central de Venezuela. Caracas, 2010

— con Obregon

Periferico Caracas. Arte contemporáneo. Caracas, 2009

— bienal iberoamericana de diseño, bid_08.

Central de Diseño. Mataderos. Madrid, 2008-2009
— murales.
Sala Mendoza. Arte Contemporáneo. Caracas, 2008

— Identidad para llevar. Souvenir del siglo xxi

Brithis council. Museo de la Estampa y El Diseño Carlos Cruz-Diez.
Caracas, 2008

— con Obregon

Periferico Caracas. Arte contemporáneo. Caracas, 2008

— avverati. salone satellite. tipo útil

international design salon. Milano, 2007

— food. nuova architetture

Triennale – Palazzo dell’Arte. Milano, 2007

— handled with care. contemporary ceramic work.

Designboom. London, 2007

— minimal

Galleria La Cuadra. Caracas, 2006

— Import-export

Centro Cultural Corp Grop. Caracas, 2006

— estructuras de sobrevivencia_caracas group.

Bienal de Arte Venecia. Venezia, 2003

— salone satellite. tipo útil

international design salon. Milano, 2001

Intervención espacio público

— ejercicio agitar— soltar. [acción-performance]

Ucab. Universidad Católica Andres Bello. Caracas, 2018

— dale-letra. [acción ciudadana]

manifestaciones de la calle. Caracas, 2016-2017

— plataforma ‘ahora’. [installation]
Centro de Arte La Trinidad. Caracas, 2015

— Este presente es todo. [penetrable tipográfico]

Centro Cultural el Hatillo. Caracas, 2014

— en(re). tipo útil. [installation]
Centro de Arte los Galpones. Provita. Caracas, 2014
— valores en tránsito. [installation]

Ucab. Universidad Católica Andres Bello. Caracas, 2013

— en(re). tipo útil. [installation]

Fist_art. Foundation. Puerto Rico, 2009

— naturaleza—útil. [installation]

Auditorium Villa San Paolo. San Gimignano. Firenze, 2005
— mayas sensoriales. estructuras de sobrevivencia. [installation]
Barrio de las Mayas. Caracas, 2001-2002

Artista residente, research project— [teamwork]

—

la escocesa. fabrica de creación. artista residente

Barcelona, España (2020 — 2021)

—

lo pati. centro de arte contemporaneo. artista residente

Balada. Delta del Ebro, España (2019—2020)

—

university of essex. research project

Colchester, Reino Unido (febrero—marzo 2020)

—

university of essex. research project

Bucaramanga, Colombia (junio—julio 2019)

—

arxiu muntadas. research project

Barcelona, España (febrero 2018—2020)

—

la fragua. the forge artist residency

Belalcazár. Cordoba, España (septiembre 2016)

—

edita®. taller producción gráfica. research project

Caracas, Venezuela (2010—2017)

—

taga. taller de artistas gráficos. research project

Caracas, Venezuela (2009—2011)

—

estudio—t. [trans]disciplinar. research project

Caracas, Venezuela (2006—2010)

aquí para comenzar a editar el texto. Personalízalo.

Educación

—

instituto de diseño neuman idd caracas,
Caracas, Venezuela,1988-1990

—

escuela prodiseño. comunicación visual.
Caracas, Venezuela, 1990-1991

—

universidad central de venezuela. escuela de filosofía
[6 semestres aprobados]. Caracas, Venezuela, 1994-1998

—

estudio ag fronzoni. master total design.
Milano, Italia, 1998-2000

—

multiversidad. edgar morin.
diplomado transformación educativa. pensamiento complejo.
[virtual_internet], 2009

—

seminarios libres en áreas de la estética, la literatura,
la filosofía y el pensamiento contemporáneo.
[museo reina sofia, cccb, macba,
art santa mónica, la escocesa]

madrid, barcelona 2015-2020

Experiencia academica. seminarios, workshops, teaching

pm. politécnico milano._escuela de diseño y arquitéctura. Milano

ucv. universidad central de venezuela._escuela de arquitectura. Caracas

pro diseño._escuela de comunicación visual. Caracas

ujmv. universidad josé maría vargas._escuela de diseño. Caracas

uney. universidad experimental de yaracuy._ diseño integral. San Felipe

unica. universidad católica cecilio acosta._escuela diseño. Marcaibo

ula. universidad de los andes. Mérida

luz. universididad del zulia. Maracaibo

ucab. universidad católica andres bello. escuela de comunicación. Caracas

bc. brithis council._departamento de cultura británico. Caracas

e4. escuela arte 4._diseño industrial. Madrid

e10. escuela arte 10._diseño gráfico. Madrid

ied. istituti europeo di design._sede larra. Madrid

chavón. escuela de arte y diseño. altos de chavón. República Dominicana

Amado González Hevia (Favila)

Entre las montañas de Grado, nació un alma predestinada al arte, Amado González Hevia, Favila. En los rincones del taller de su padre, el joven Favila veía el mundo en arcilla y estuco, permitiendo que su imaginación plasmara historias en cada rincón. No fue el llamado de una vocación repentina lo que le llevó a la pintura, sino el murmullo constante del destino y la pasión heredada. En su travesía artística, desde las aulas avilesinas hasta el fulgor valenciano, Favila siguió el legado lumínico de Sorolla y se convirtió en el narrador pictórico de Asturias. Su pincel, empapado de luz y sombra, relata historias de calles, puertos y fiestas; y aunque su corazón pertenece a la tradición asturiana, Favila sigue siendo un explorador, buscando siempre nuevos horizontes en el vasto universo del arte.

Amado González Hevia (Favila)

Biografía

Amado González Hevia, Favila, nacido en Grado e hijo del escultor Amado González Fernández, ha asumido su oficio como la persistencia en el tiempo del ambiente artístico en el que se crio. Su niñez discurrió entre los muros del taller moscón de su padre, jugando con las pinturas, dibujando sobre el estuco de los muros, amasando y modelando la arcilla que posteriormente su progenitor convertiría en boceto escultórico.

La pintura no apareció en su vida como resultado de una vocación latente pero escondida, sino que supuso la continuidad natural de su discurrir vital, en cierto modo empujada por un padre que había renunciado por circunstancias personales a trasladarse becado a Madrid para completar su formación. Y mientras colaboraba siendo un adolescente en el taller avilesino paterno, comenzó los estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Avilés al tiempo que recibía clases de Santarúa, quién incidiría en una formación rigurosa y académica del joven Favila. Una y mil veces el dibujo, la construcción y la valoración del objeto como forma primitiva de conocimiento de un arte que, a la postre, le llevaría hacia el camino que su disposición personal y creatividad le indicase.

Formación

Residía en Avilés desde 1966, hasta 1975. La formación avilesina le permitió comenzar los estudios de Bellas Artes, y así partió para Valencia (Facultad de Bellas Artes de San Carlos), tal y como él reconoce, tras los pasos de la tierra de su tan admirado Sorolla. En ella se tituló en 1980, destacando Favila de esta etapa de formación las clases de dibujo al natural, anatomía y dibujo del movimiento, enseñanzas que reaparecen en su producción cuando se enfrenta a los grupos humanos. En la capital del Turia también se acercó a la creación de Benlliure estudiando con admiración los bocetos y moldes que de sus esculturas se conservaban. Así fue como el museo de la ciudad se convirtió en su segunda casa. ⁴

De regreso a Asturias y asentado de nuevo en Avilés, entró a formar parte del equipo docente de la Escuela de Artes y Oficios, tras capacitarse para ello en la misma Valencia, compatibilizando las clases hasta 1986 con su taller en la calle de Rivero. A pesar del incendio de la Escuela, mantuvo la actividad educativa tanto en institutos como en el estudio referido, regresando al centenario centro avilesino una vez reabierto en 1995. Tan importante para él han sido las enseñanzas oficiales como las impartidas particularmente, y destacados discípulos de Favila, formados en uno u otro ámbito, han visto reconocida su labor, un magisterio que aún mantiene compatibilizándolo con cursos intensivos para alumnos de las escuelas de arquitectura como de las de Bellas Artes, y con la docencia especializada en algunos temas o géneros como puede ser el retrato.

Sea el ámbito que sea Favila sostiene que su método docente se basa en la formación académica, en el rigor transmitido por Santarúa y que él sintetiza en dos palabras: dibujo y valoración. Considera que la formación de un joven artista debe incidir en la construcción de la forma, en las proporciones y el claroscuro, eso le permite crear de forma académica, pero al tiempo le genera un poso que sabrá manejar en el futuro por cualquiera que sea el camino elegido y en cualquier manifestación y sabiendo que con ese fundamento siempre será una elección consciente. Para alcanzar estos objetivos considera necesario un seguimiento directo del alumno, unas normas básicas que reitera hasta la saciedad y para las que se sirve del dibujo basado tanto en modelos clásicos como en objetos cotidianos. Lo que nos rodea tiene validez para el aprendizaje, que fructifica en sus discípulos en una etapa inicial de claras referencias al maestro pero que con el tiempo, tal y como él les transmite, abandonarán para encontrar su identidad.

Técnica y pintura

Y con todo, Favila tiene una producción elevada de obra fundamentalmente al óleo o acrílica siempre en lienzo de lino sobre el que mejor discurre el pincel. Normalmente su piezas son de tamaño medio, pues suele trabajar en el formato de 81 x 100 cm., sin embargo no desprecia el pequeño formato y en menor medida las creaciones de grandes dimensiones como se aprecia en la obra destinada a la Cofradía de Pescadores de Avilés o en los trabajos que actualmente ejecuta para su aventura americana. Y junto a ellos, también se ha atrevido con encargos de entidad como los destinados a la Iglesia de El Cristo o la Plaza de toros de Oviedo donde la tauromaquia, objeto de su interés, es protagonista como lo fue en otras obras de pequeño formato.

Y si éste es el continente, su característico contenido está definido por la figuración, un pretexto y en ocasiones un reto, pues para él cualquier cosa es susceptible de llevar al lienzo, si bien reconoce el gusto preferente por ciertos temas que le llevan a una producción continuada, sin etapas, en las que crece con mayor confianza en el uso del colorido y la complicación de la composición, una labor en la que persevera aún en la actualidad. No obstante, esa figuración no es la forma única de expresión de su espíritu indagador. Existe otro Favila, aún no conocido por el público, que se sirve de la abstracción para plasmar sus inquietudes personales, un “pintor de jazz” que improvisa sobre la superficie.

Pero en la obra que ahora nos muestra aparece como lector de cuanto le rodea susceptible de ser elevado a la categoría de motivo artístico, y parece encontrar con frecuencia en la arquitectura de su entorno inmediato disculpa para la creación. Rincones conocidos de Avilés, calles de Oviedo, arquitecturas singulares de villas y pueblos asturianos sirven de tema para conjugar los verdaderos verbos con que se escribe su pintura; para componer y trazar, para encajar, para soltar la mano y construir. Sobreponiéndose a un dibujo que el artista valora enormemente y que se evidencia en el encaje, es la pincelada, ancha, generosa las más de las veces, la que edifica o reedifica sobre el lienzo los caños de Rivero y la Capilla de San Pedro, la avilesina Iglesia de los Padres, Galiana, la plaza del Ayuntamiento de Oviedo o la Calle Magdalena.

Una pasión levantina por la luz que entre otras cosas le llevó a la Escuela de San Carlos de Valencia, siguiendo la pincelada larga, empastada y vigorosa de Sorolla late en toda su obra. Pasión por la luz y su captación en todos sus matices; en su carácter cambiante al aire libre, en la humedad suspendida de la atmósfera asturiana, pero también en la penumbra y en la elaborada luz artificial de escenas interiores. Entre estas últimas destacan los interiores de bares avilesinos de solera como Casa Lin o Casa Tataguyo, que pudieran leerse como reedición a escala de los locales parisinos que tanta atracción tuvieran sobre los primeros impresionistas. De hecho, realizará obras en el mismo Avilés, Oviedo o Pillarno concebidas como decoración interior de algunos de estos locales.

Familiarizado en Avilés con las escenas portuarias, Favila tiene algo de cronista pictórico de la actividad pesquera. Lleva al lienzo escenas de descarga de pescado, tareas de pesca y marisqueo o del trasiego del puerto, con sus mariaxes entre maromas y redes. Muy próximo en ocasiones a conocidos pintores asturianos del realismo despliega al completo en otros casos los rasgos de su personal factura y que afecta no sólo a los temas pesqueros sino que también es latente en sus marinas. Bio de Favila.

La herencia de la pintura asturiana precedente se hace especialmente evidente cuando es el mundo rural el que se convierte en motivo pictórico. La huella de Piñole y aún más la de Mariano Moré se percibe en sus romerías; el uso del color, la textura y la composición de Telesforo Cuevas late en la arquitectura popular de sus quintanas. El propio autor confiesa que “la vida al completo es objeto de su interés pictórico”; una vida que se manifiesta en las bulliciosas calles abundante de figuras que retrata en más de una obra, en los mercados donde late siempre la impronta de su tierra de origen, Grado, o en las calles vestidas y vividas de carnaval en Avilés.

Algunos de los personajes que pueblan estas calles se convierten en protagonistas de las telas; titiriteros, músicos o arte- sanos, son al tiempo retratos nominales y anónimos, pericia en la captación de los rasgos y cita genérica. Pero su producción no concluye en el lienzo. El compromiso de este autor con el tejido asociativo asturiano y su versatilidad como artista le llevará a realizar también trabajos artísticos en el ámbito del cartelismo, la ilustración o la escenografía, manteniendo en cada uno de ellos los inconfundibles rasgos del oficio de Favila.

En abril de 2009 el Ayuntamiento de Grado, aprobó en Junta de Gobierno, dar su nombre a una calle de la urbanización de El Palmeral, en la capital del concejo.

En su obra pictórica destacan las obras: Arcos, Cine, Charanga, Fiesta, Mariscando, Músicos, Paisaje, Picador, Siesta, Sidrería, Oviedo, Romería, Galla, Rula vieja de Avilés, Saxo, Echador de sidra y Carnaval de Avilés.Respecto a su obra escultórica, cabe mencionar entre muchas: Alejandro Casona, Lolita Pluma y Tinerfeño.

Exposiciones individuales

1974. Galería Amaga, Avilés, Asturias.
1975. Caja de Ahorros (itinerante por Gijón y Avilés), Asturias.
1978. Centro Asturiano de México, México.
Marta y María, en Avilés.
1979. Galería Amaga, Avilés.
1982. Galería Monticelli, Gijón, Asturias., Caja de Ahorros, Oviedo, Asturias. , Banco de Bilbao, Ponferrada, León.¹ , Banco Exterior de España, Grado, Asturias.
1983. Centro Asturiano, Madrid.
1984. Galería Amaga, Avilés.
1985. Sala de Arte Van Dyck, Gijón. Banco Exterior de España, Grado. , «40 retratos de gentes de Avilés», Escuela de Artes y Oficios de Avilés.
1986. Galería Nogal, Oviedo. , Instituto de Bachillerato Príncipe de Asturias, Aller, Asturias., Galería Movellán, Fuenterrabía, Guipúzcoa.
1991. Instituto de Bachillerato Bernaldo de Quirós, Mieres, Asturias., Casino de Avilés.
1992. Galería Amaga, Avilés. , Galería Murillo, Oviedo.
1993. Galería de Arte Caja Madrid, Ciudad Real.
1994. Galería Amaga, Avilés.
1995. Galería Murillo, Oviedo. Sala de Arte Tioda, Gijón.
1996. Sala de Arte Chagal, Mieres.
1997. Galería Murillo, Oviedo.
Vendedoras del Fontan (Oviedo)
1998. Galería Acinas, Avilés.Sala de Arte Tioda, Gijón.
2000. Galería Murillo, Oviedo.
2004. Escuela de Artes y Oficios de Avilés.
2005. Sharon Art, León. Galería Octógono, Oviedo.
2006. Sala de Arte Rama, Astorga, León. «Homenaje al Ademar», Sharon Art, León. Tioda, Sala de Arte, Gijón.
Escultura «Monumento a Campomanes.»
2009. «Favila. Cuatro décadas»

Exposiciones colectivas

1981. «Panorama 81 del Arte Asturiano», Madrid.

Sin fecha:

Certamen Nacional de Luarca, Asturias.
Salón de Navidad, Avilés, Asturias.
«7 pintores avilesinos de hoy», Casa de la Cultura de Avilés.

Participa en las exposiciones que el Colectivo de Pintores Avilesinos organiza cada año en el pub Biblos de Avilés.

Obras Públicas

Esculturas realizadas en Boal. «Homenaje al Emigrante»

Murales de la Plaza de Toros, 1991, Ayuntamiento de Oviedo.
Mural de la cúpula del altar mayor de la capilla del Cristo de las Cadenas, 1991, Obispado de Oviedo.
Santa Eulalia de Mérida (escultura), 1994, calle Santa Eulalia, Oviedo, Asturias.
Vendedoras del Fontán (escultura), 1996, Plaza Daoíz y Velarde, Oviedo.
Monumento a Eugenia Martínez Vallejo, «La Monstrua», 1997, Calle Carreño Miranda, Avilés, Asturias.
Monumento a Alejandro Casona, 1997, Calle Alejandro Casona, Oviedo.
Lolita Pluma, 1998, parque de Santa Catalina, Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias.
Tinerfeño, 1998, Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias.
El tratante de ganado, 1999, Parque del Carbayedo, Avilés.
Marta y María, 1999, Aledaños del Hotel Villa de Avilés, Avilés.
Monumento a Campomanes, 2003, Calle Campomanes, Oviedo.
Mural de la Última Cena, Mural de San Juan Bautista bautizando al Mesías y Mural representando la Ascensión del Señor, en la Iglesia del Santo Cristo de las Cadenas de Oviedo.

Monumento a Alejandro Casona
Cuadros de las estaciones del Viacrucis en la Iglesia del Santo Cristo de las Cadenas de Oviedo.
Homenaje al Emigrante, 2015, Boal, Asturias.

Premios y distinciones

1996. Finalista en el concurso que el diario La Voz de Asturias y el Ayuntamiento de Mieres organizaron para realizar el

«Homenaje al minero».

2002. Medalla de Oro de la Escuela de Artes y Oficios de Avilés, Asturias.
2010. El 3 de abril recibe el premio «Adelantado de Avilés», que le entrega la local Cofradía de El Bollo «por su trayectoria artística y promoción de las tradiciones y señas de identidad de la villa avilesina».

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Audino Díaz

El objeto es el punto de encuentro entre el ser humano y la naturaleza, el lugar donde ésta es transformada en artefacto cultural. Convertida en objeto, la naturaleza pierde sus atributos propios en función de las necesidades humanas: la materia prima se convierte en “materia secunda”, relegada a un trasfondo perceptual en el que apenas la reconocemos.

Audino Díaz

Audino Díaz, nacido en México en 1973, es un reconocido artista contemporáneo cuya obra se centra en la interacción entre el ser humano y la naturaleza, transformándola en artefacto cultural. A lo largo de su carrera, ha obtenido una sólida formación en instituciones de prestigio como el Sculpture Center y el Arts Students League en Nueva York, y el Instituto Universitario de Artes Armando Reverón en Caracas. Díaz ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas alrededor del mundo, destacándose «Forest for The Trees» en la ACC Galerie en Weimar, Alemania y «Naturaleza Oculta» en la Galería La Cometa en Bogotá, Colombia. Además, ha participado en residencias artísticas internacionales y ha sido galardonado con varios premios y reconocimientos en el ámbito del arte. Su obra forma parte de importantes colecciones como la de Alberto Sosa en Caracas, Venezuela. En su trabajo, Díaz reflexiona sobre cómo la naturaleza se convierte en objeto, perdiendo sus atributos propios en función de las necesidades humanas y transformándose en «materia secunda».

Statement

Naturaleza Oculta.

La obra de Audino Díaz consiste en rescatar a la naturaleza de esta prisión cultural, exponiendo o replicando la dimensión primaria de los objetos, sobre todo de los objetos caseros, a través de los mismos procesos y herramientas que suelen ocultar la. Interviene materiales manufacturados o industrializados, tales como el papel o el contra enchapado, dibujándolos y tallándolo s para hacer emerger su naturaleza oculta, reconstruyendo los elementos básicos de superficies y texturas.

En lugar de un regreso imposible al origen, sus “artefactos naturales” reproducen la complejidad del proceso cultural: si la naturaleza se pierde al ser transformada en objeto, el objeto desaparece cuando su materia prima vuelve a predominar, sea de manera real o imaginaria.

En “artefacto natural”, naturaleza y cultura se reencuentran en términos más equitativos, pues al reconocer la esencia de la materia casera, recuperamos algo de nuestra propia naturaleza animal, sumergida bajo las infinitas imposiciones del homo faber.

Educación

1997 Sculpture Center, New York, EEUU.

1998 Arts Students League, New York, EEUU.

2002 Instituto Universitario de Artes Armando Reverón, Caracas, Venezuela.

Exposiciones Individuales

2023 Forest for The Trees, ACC Galerie, Weimar, Alemania.

2019 Naturaleza Oculta, Galería La Cometa, Bogotá, Colombia.

2013 Naturalezas, Embajada de Venezuela, Berlín, Alemania.

2011 Paisaje mental 0.2, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2009 Vestigios del dorado, Galería Arte Puy, Caracas, Venezuela.

2008 Paisaje Mental, Galería Durban Segnini, Caracas, Venezuela.

2006 Vestigios a Flor de Piel, Alternativa Elvira Neri Galería, Caracas, Venezuela.

2005 Fusión, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

2004 Vestigios de Futuro, Lucía de la Puente Galería, Lima, Perú.

2004 Vestigios de Futuro, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

Exposiciones Colectivas

2020 Art Miami Fair, Art Nouveau Gallery, Miami, EE.UU.

2017 Emergency, R.A.T, CDMX, México.

2012 El Plano Verde, Universidad Metropolitana, Caracas, Venezuela.

2011 Feria DEARTE, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2010 Arte Americas, Art Fair, Galería Art Noveau, Miami, EE.UU.

2009 Arte Americas Art Fair, Galería Durban Segnini, Miami, EE.UU.

2009 5×5 Pluralism, Centro de Artes Clemente Soto Velez, NY, EE.UU.

2009 5X5 Pluralism, Center for Latino Arts, San Francisco, EE.UU.

2009 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2009 PINTA, Galería ArtePuy, NY, EE.UU.

2008 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2006 PINTA Galería Alternativa, Caracas, Venezuela.

Residencias

2022 Residencia en la ACC Galerie. International Workshop Program (IAP) Weimar, Alemania.

2016 Residencia en R.A.T, CDMX, México.

2012 Residencia en la Fundación Starke, Berlín, Alemania.

Reconocimientos

2016 Fondo Venezolano Americano para las Artes VAEA,

2000 Primer Lugar Salón Municipal Juan Lovera, Caracas, Venezuela.

1997 Merit Scholarship, Arts Students League, NY, EEUU.

1993 Primer Premio al Artista Universitario, Mérida, Venezuela

1993 Primer Premio del Sol, Mérida, Venezuela

Colecciones

Colección Alberto Sosa, Caracas Venezuela, entre otros

Henry Iles

En el susurro de Bath nació Henry Iles, artista de alma errante. Desde Londres a Yorkshire, su arte floreció, encontrando hogar en Asturias. Entre bocetos humorísticos y linograbados profundos, su paleta se tiñe de relaciones, viajes y recuerdos. Con trazos que evocan a Sudán y Egipto, Henry teje historias, iluminando páginas y lienzos por igual. Su magia espera en Gijón, en la Zooh Micro Gallery, para quien desee descubrirla.

Henry Iles

Henry Iles es artista, ilustrador y diseñador gráfico. Nació en Bath (Inglaterra) y vivió

muchos años en Londres y Yorkshire. Ahora vive en Asturias, España. Su arte puede dividirse

en tres categorías: sus bocetos y collages humorísticos y a veces oscuros, sus pinturas y sus linograbados.

pinturas y linograbados. Su obra se inspira en sus relaciones e interacciones con quienes le rodean.

con los que le rodean, a veces pensamientos divertidos y absurdos, y a veces una

a los acontecimientos que han rodeado su vida. Los viajes también han servido de inspiración.

Sudán y Egipto aparecen en muchas de sus obras.

Los diversos estilos artísticos de Henry le han proporcionado una exitosa carrera comercial y ha

ilustrado y diseñado para muchos libros, como los de Tove Jansson y la serie de viajes Rough

Guides, así como el reciente ganador del Premio Booker Las siete lunas de Maali Almeida, de Shehan Karunatilaka.

Sus obras están disponibles en Zooh Micro Gallery, Gijón, España.

Statement

Naturaleza Oculta.

Educación

1997 Sculpture Center, New York, EEUU.

1998 Arts Students League, New York, EEUU.

2002 Instituto Universitario de Artes Armando Reverón, Caracas, Venezuela.

Exposiciones Individuales

2023 Forest for The Trees, ACC Galerie, Weimar, Alemania.

2019 Naturaleza Oculta, Galería La Cometa, Bogotá, Colombia.

2013 Naturalezas, Embajada de Venezuela, Berlín, Alemania.

2011 Paisaje mental 0.2, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2009 Vestigios del dorado, Galería Arte Puy, Caracas, Venezuela.

2008 Paisaje Mental, Galería Durban Segnini, Caracas, Venezuela.

2006 Vestigios a Flor de Piel, Alternativa Elvira Neri Galería, Caracas, Venezuela.

2005 Fusión, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

2004 Vestigios de Futuro, Lucía de la Puente Galería, Lima, Perú.

2004 Vestigios de Futuro, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

Exposiciones Colectivas

2020 Art Miami Fair, Art Nouveau Gallery, Miami, EE.UU.

2017 Emergency, R.A.T, CDMX, México.

2012 El Plano Verde, Universidad Metropolitana, Caracas, Venezuela.

2011 Feria DEARTE, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2010 Arte Americas, Art Fair, Galería Art Noveau, Miami, EE.UU.

2009 Arte Americas Art Fair, Galería Durban Segnini, Miami, EE.UU.

2009 5×5 Pluralism, Centro de Artes Clemente Soto Velez, NY, EE.UU.

2009 5X5 Pluralism, Center for Latino Arts, San Francisco, EE.UU.

2009 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2009 PINTA, Galería ArtePuy, NY, EE.UU.

2008 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2006 PINTA Galería Alternativa, Caracas, Venezuela.

Residencias

2022 Residencia en la ACC Galerie. International Workshop Program (IAP) Weimar, Alemania.

2016 Residencia en R.A.T, CDMX, México.

2012 Residencia en la Fundación Starke, Berlín, Alemania.

Reconocimientos

2016 Fondo Venezolano Americano para las Artes VAEA,

2000 Primer Lugar Salón Municipal Juan Lovera, Caracas, Venezuela.

1997 Merit Scholarship, Arts Students League, NY, EEUU.

1993 Primer Premio al Artista Universitario, Mérida, Venezuela

1993 Primer Premio del Sol, Mérida, Venezuela

Colecciones

Colección Alberto Sosa, Caracas Venezuela, entre otros

Maurizio Anzeri

En las manos de Maurizio Anzeri, el hilo se convierte en poesía y las imágenes encontradas en lienzos de historias olvidadas. Desde las costas de Loano hasta los pasillos de galerías prestigiosas, su arte teje un puente entre lo antiguo y lo contemporáneo, entre la memoria y el presente. En cada puntada, Anzeri captura un susurro del pasado, invitándonos a mirar más allá de la superficie y descubrir los secretos bordados en el tiempo.

Maurizio Anzeri

Maurizio Anzeri: Un Retrato de Bordado e Innovación

Nacido el 8 de abril de 1969 en Loano, Italia, Maurizio Anzeri se erige como un faro del arte contemporáneo, fusionando sin problemas técnicas artesanales tradicionales con estéticas modernas. Actualmente residiendo en Londres, la maestría artística de Anzeri abarca varios medios, incluyendo escultura, fotografía, dibujo y técnicas artesanales tradicionales.

Antecedentes Educativos

El viaje de Anzeri al mundo del arte comenzó en el Instituto de Londres, Camberwell College of Arts, donde cursó una Licenciatura en Artes en Escultura y Diseño Gráfico de 1996 a 1999. Su sed de conocimiento lo llevó a la Slade School of Fine Art, Londres, donde obtuvo un máster en Escultura de Bellas Artes de 2002 a 2005.

Destacados de su Carrera

Las esculturas de Anzeri, a menudo elaboradas con cabello sintético, desprenden un aura inquietante. Su colaboración con íconos de la moda como Alexander McQueen en 2000 e Isabella Blow, con quien creó «esculturas ponibles», consolidó aún más su reputación en el mundo del arte.

Sin embargo, el trabajo más distintivo de Anzeri radica en su enfoque pionero de bordar fotografías encontradas. Inspirado en imágenes de sus parientes remendando redes de pesca en la costa italiana, Anzeri vio su atracción hacia el trabajo con hilos como casi predestinada. Su meticuloso bordado, yuxtapuesto contra fondos sombríos, crea una experiencia visual única. Esta técnica innovadora lo llevó a acuñar el término «foto-escultura».

Exposiciones y Colaboraciones

El trabajo de Anzeri ha adornado numerosas exposiciones en todo el mundo. Notablemente, fue presentado en The Saatchi Gallery en la exposición de 2009 «Newspeak: British Art Now», donde fue celebrado como uno de los ‘nuevos YBA’. Sus galardones incluyen haber ganado el premio de beca Vauxhall Collective para Bellas Artes en 2010.

En 2011, el Baltic Centre for Contemporary Art acogió la primera gran exposición individual de Anzeri en el Reino Unido, titulada «Family Day». Esta exposición mostró la técnica única de Anzeri de superponer fotografías encontradas de los años 30 y 40 con hilos meticulosamente patrones.

El alcance global de Anzeri quedó patente cuando expuso en la exposición The King and I en Shanghái, China, en 2017. Su colaboración con el colectivo musical italiano, C’mon Tigre, en el video musical «Mono No Aware», mostró aún más su versatilidad, obteniendo una nominación al premio de Los Ángeles Film Award al mejor video musical en 2019.

Colecciones

Las obras de arte de Maurizio Anzeri son atesoradas tanto en colecciones públicas como privadas. Instituciones como el Museo Victoria y Albert en Londres, la Colección Saatchi y la colección Alexander McQueen son solo algunas que albergan las obras maestras de Anzeri.

Obras Notables

Algunas de las piezas más renombradas de Anzeri incluyen «Lady Ugolino 2000», una escultura, «Giovanni 2009», un bordado en una fotografía encontrada, y «The Party 2010», una serie de esculturas elaboradas con cabello sintético y metal.

Contribuciones Educativas

La influencia de Anzeri se extiende más allá de su obra artística. Ha sido profesor visitante en instituciones prestigiosas como el Royal College of Art y la Cardiff School of Art and Design. Su trabajo también es una fuente de inspiración en el currículo escolar secundario nacional en Inglaterra.

Publicaciones

El enfoque innovador y las obras únicas de Anzeri han sido presentados en numerosas publicaciones, desde «The Guardian Newspaper» hasta «Vogue Italia» y «Design Boom».

Conclusión

El viaje de Maurizio Anzeri desde las costas de Loano al escenario global del arte es un testimonio de su creatividad y dedicación incomparables. Al fusionar técnicas tradicionales con estéticas contemporáneas, Anzeri continúa redefiniendo los límites del arte.

Statement

Naturaleza Oculta.

Educación

1997 Sculpture Center, New York, EEUU.

1998 Arts Students League, New York, EEUU.

2002 Instituto Universitario de Artes Armando Reverón, Caracas, Venezuela.

Exposiciones Individuales

2023 Forest for The Trees, ACC Galerie, Weimar, Alemania.

2019 Naturaleza Oculta, Galería La Cometa, Bogotá, Colombia.

2013 Naturalezas, Embajada de Venezuela, Berlín, Alemania.

2011 Paisaje mental 0.2, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2009 Vestigios del dorado, Galería Arte Puy, Caracas, Venezuela.

2008 Paisaje Mental, Galería Durban Segnini, Caracas, Venezuela.

2006 Vestigios a Flor de Piel, Alternativa Elvira Neri Galería, Caracas, Venezuela.

2005 Fusión, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

2004 Vestigios de Futuro, Lucía de la Puente Galería, Lima, Perú.

2004 Vestigios de Futuro, Alonso Garcés Galería, Bogotá, Colombia.

Exposiciones Colectivas

2020 Art Miami Fair, Art Nouveau Gallery, Miami, EE.UU.

2017 Emergency, R.A.T, CDMX, México.

2012 El Plano Verde, Universidad Metropolitana, Caracas, Venezuela.

2011 Feria DEARTE, Galería Dionnis Bennanssar, Madrid, España.

2010 Arte Americas, Art Fair, Galería Art Noveau, Miami, EE.UU.

2009 Arte Americas Art Fair, Galería Durban Segnini, Miami, EE.UU.

2009 5×5 Pluralism, Centro de Artes Clemente Soto Velez, NY, EE.UU.

2009 5X5 Pluralism, Center for Latino Arts, San Francisco, EE.UU.

2009 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2009 PINTA, Galería ArtePuy, NY, EE.UU.

2008 FIAM Galería Durban Segnini/Galería Artepuy, Maracaibo, Venezuela.

2006 PINTA Galería Alternativa, Caracas, Venezuela.

Residencias

2022 Residencia en la ACC Galerie. International Workshop Program (IAP) Weimar, Alemania.

2016 Residencia en R.A.T, CDMX, México.

2012 Residencia en la Fundación Starke, Berlín, Alemania.

Reconocimientos

2016 Fondo Venezolano Americano para las Artes VAEA,

2000 Primer Lugar Salón Municipal Juan Lovera, Caracas, Venezuela.

1997 Merit Scholarship, Arts Students League, NY, EEUU.

1993 Primer Premio al Artista Universitario, Mérida, Venezuela

1993 Primer Premio del Sol, Mérida, Venezuela

Colecciones

Colección Alberto Sosa, Caracas Venezuela, entre otros

Martín Satí

Surcando los ríos digitales de la modernidad artística, mora un artesano de la paleta cibernética en la vibrante Sevilla. Este artista gráfico, dibujante de ilusiones pixeladas, pintor de esquemas virtuales, diseñador de líneas intangibles y escultor gráfico de formas efímeras, ha pulido su destreza en las tradicionales aulas de la Universidad de Sevilla y refinado su visión en la contemporaneidad de la Universidad de Winchester. Es el alquimista de una materia prima revolucionaria, «Silicone Pie», un desafío constante y fluido, comparable a la cerámica en manos de un alfarero, donde líneas y colores danzan en un perpetuo cambio, otorgando a cada obra un latir enérgico y vivaz. Su meta es humanizar esta gelatina digital, moldeando emociones tangibles a través de un lenguaje visual cultivado por años, para conectar, tocar y vibrar junto a los corazones de aquellos que se sumerjan en su arte.

Martín Satí

Soy un artista gráfico, ilustrador digital, pintor, diseñador y escultor gráfico con sede en Sevilla, España. Estudié Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, donde aprendí técnicas tradicionales de pintura y dibujo. Completé mi educación artística en la Universidad de Winchester, Reino Unido, donde me especialicé en diseño contemporáneo.

Mi trabajo es el resultado de un proceso de maduración pictórica cuyo origen se inicia en el diseño e ilustración digital para recalar finalmente en la construcción de la forma.
Me considero un artesano gráfico que intenta expresarse a través de un lenguaje visual que he ido elaborando con los años. Mi idea es conectar con las personas y humanizar el medio tecnológico para ponerlo al alcance de las emociones.

Metodología de trabajo / SILICONE PIE

Con los años he podido experimentar, no un estilo ni una disciplina de trabajo, sino una «sustancia digital» que suelo usar como base para modelar mis dibujos. Este material lo he denominado Silicone Pie.

Algo parecido al trabajo del escultor que busca nuevos materiales para crear sus obras o al pintor que fabrica sus propias pinturas. En mi caso, debido a que las herramientas son digitales, he tenido que buscar un recurso gráfico para componer mis ilustraciones.

El Silicone Pie está hecho de simples líneas y colores, pero resulta difícil de manipular al estar en constante movimiento. Esto quiere decir que las obras no terminan nunca de fluir, son cambiantes y tienden a direccionarse hacia cualquier parte. Se pueden deformar, estirar y juntar unas partes con otras. Es como crear una escultura con un material semilíquido. A veces es una locura y un caos el manejar todo esto, pero por otra lado le da al trabajo una expresividad muy enérgica y vivaz. De esta forma soluciona, en parte, el problema que suele dar un medio digital, que puede resultar muy controlado y frío.

– » Trabajo con este material, al que suelo llamar ‘Silicone Pie’, como un artesano trabaja con cerámica. Doy forma a las masas de color con líneas de movimiento hasta lograr un nivel de resultados óptimo».

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https://www.instagram.com/martin.sati/

Mikel Janín

En el eterno rincón de los trazos y las sombras, en la arquitectura de sueños y fantasías donde residen los superhéroes, emergió una figura portentosa cuya pluma se volvió el pincel de una nueva época. Mikel Janín, antaño arquitecto, se convirtió en un creador de mundos, tejedor de épicas, un mago de la ilustración que rediseñó el cosmos de DC Comics. Desde sus humildes inicios, explorando los reinos de Tolkien, hasta ser la fuerza detrás de arcos argumentales que han redefinido a personajes icónicos, Janín se alza como un titán del arte gráfico. Su nombre resuena con reverencia, un sinónimo de innovación y maestría, elevándose no solo como un dibujante, sino como un visionario, un poeta visual, cuyo legado en DC Comics lo sitúa como uno de los mejores dibujantes de cómics a nivel mundial. Sus trazos han sido la pluma y tinta de la leyenda, y su historia, un testimonio vivo de la pasión y el arte sublime.

Mikel Janín

(Pamplona, 1974). Tras convertirse en arquitecto, en 2009 decidió dedicar su vida entera al mundo del cómic. Sus obras, entre las que se encuentran El año que fuimos campeones del mundo y Les Aventures d’Antonin Phylifandre, permitieron que este historietista navarro comenzara a colaborar con DC, primero en un especial de la Liga de la Justicia y luego en series limitadas como Titanes: Flashpoint. Esto último le abrió las puertas a un contrato exclusivo.

En 2011, la aparición de conceptos nuevos y atractivos, como el de la Liga de la Justicia Oscura, acaparó la atención de los fans de nuestros héroes y villanos favoritos. Como dibujante principal de la Liga, Janín tuvo la oportunidad de rediseñar personajes icónicos. Además, compartió créditos con autores de renombre como Peter Milligan, Jeff Lemire y J.M. DeMatteis. También participó en el evento veraniego de 2013, La Guerra de la Trinidad, e ilustró capítulos de Batman: Detective Comics y Batman Eterno.

El 2014 marcó otro hito en su carrera con la llegada de Grayson, una serie que surgió a partir de los eventos de Maldad Eterna. Escrita por Tom King y Tim Seeley, Grayson se convirtió en un éxito de crítica y público, gracias a su audaz mezcla de temáticas.

En la recta final de 2016, Janín participó en el crossover Los últimos días de Superman. Posteriormente, se unió al equipo creativo del relanzamiento de Batman, un nuevo número 1 incluido en la iniciativa Renacimiento. En las páginas del cómic principal del Caballero Oscuro, se reunió con Tom King, ilustrando argumentos como Yo soy Suicida y números que han marcado un antes y un después para el protector de Gotham City, como el ya clásico Batman: La Boda.

Habiéndose convertido en una estrella tanto en Europa como en América, Janín ha contribuido a antologías conmemorativas de alto nivel, como Catwoman: Especial 80 Aniversario, Robin: Especial 80 Aniversario y Joker: Especial 80 Aniversario. También disfrutamos de su trabajo en un breve período de Mujer Maravilla, publicado en las páginas de Wonder Woman: Segunda Temporada – La Venganza de Max Lord.

Más recientemente, Janín se unió al aclamado escritor Grant Morrison en la miniserie Superman y Authority, reinventando ideológica y gráficamente al Hombre del Mañana. También lo hemos visto en Más allá de Flashpoint, donde trabajó con otro guionista laureado, Geoff Johns. Actualmente, Johns y Janín trabajan en el regreso de un importante equipo del Universo DC: la JSA.

La intención de mi arte, ya sea en las páginas de un cómic o en una ilustración, va siempre vinculada a contar una historia. Que pase algo, que el tiempo se mueva, que el lector piense que algo va a ocurrir después.

Pepe Larraz

En las calles resonantes de historia de Madrid, en la Escuela nº 1, florece el arte de un hombre destinado a ser uno de los grandes dibujantes de Marvel a nivel mundial. Pepe Larraz, armado con un Bachillerato Artístico y un amor por la Historia del Arte, traza en presente su camino luminoso. Desde los humildes fanzines y las páginas de «Cristi y sus movidas», hasta los grandiosos escenarios de Marvel, su talento resplandece. Hoy, este joven madrileño es un caballero de la ilustración, un mago que invoca universos con cada trazo, un maestro cuyas manos dan forma a los héroes y villanos más emblemáticos. En el firmamento de Marvel, su estrella brilla con una luz única, y su arte es un vivo testimonio de la creatividad y la pasión que define el cómic contemporáneo.

Pepe Larraz

Pepe Larraz estudió en la Escuela nº 1 de Madrid Bachillerato Artístico y posteriormente Historia del Arte en la UCM. Como otros tantos artistas comienza su trayectoria en fanzines siendo su origen como dibujante de cómics profesional la obra «Cristi y sus movidas» (2003). Tras un periodo de tiempo en el que compagina trabajos de publicidad con publicaciones en varias revistas (Diez Dedos, Dos veces breve, Arruequen, Gato Negro, Lunatico, Lovexpress etc…) da el salto a los EE. UU. en 2010 para comenzar a dibujar para Marvel un número de New Avengers: Luke Cage (aunque hay rumores que lo primero que dibujó para Marvel nunca fue publicado). Tras esa primera toma de contacto con el mercado americano, ha ido desarrollando su carrera como dibujante de cómics para Marvel en otras colecciones como Spidergirl , Thor o Wolverine and the X-Men llegando incluso a dibujar a todo un caballero Jedi en Kanan, The Last Padawan. Tras revitalizar junto a Jonathan Hickman el universo de los mutantes con House of X, actualmente es ya toda una estrella consagrada en el Universo Marvel Comics. Próximamente (septiembre de 2020) se publicará su nuevo proyecto X of Swords, (también junto a Jonathan Hickman).

Belén Ortega

Desde las calles de Granada hasta los rincones de Osaka, Belén Ortega ha tejido historias con tinta y pasión. Esta ilustradora, cuyo arte se nutre de la cultura japonesa, ha cruzado fronteras, desde su aclamado «Himawari» hasta las páginas de Marvel y DC. Con influencias que evocan animes icónicos, Belén se ha convertido en un faro para los soñadores del cómic, brillando en escenarios globales y dejando una huella imborrable en el mundo de la ilustración.

Belén Ortega

Belén Ortega, nacida en Granada el 6 de marzo de 1986, es una destacada dibujante e ilustradora española que ha dejado una huella imborrable en el mundo del cómic. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada, Belén amplió sus horizontes académicos en la Human Academy de Osaka, Japón, sumergiéndose aún más en su pasión por la cultura japonesa.

Desde sus inicios, Belén ha demostrado un talento excepcional. Su primera obra profesional, «Himawari», no solo le otorgó reconocimiento sino también el Premio al Mejor Manga Español por Ficomic. Su versatilidad como artista la ha llevado a colaborar en diversos proyectos, desde ilustraciones para el libro didáctico «Kodomo Manga Paso a Paso» hasta trabajos publicitarios para marcas como Carolina BOIX y Jesús del Pozo. Además, ha trabajado en la adaptación al cómic de la aclamada saga «Millenium» y ha colaborado con editoriales internacionales de renombre como Marvel y DC Comics, convirtiéndose en la primera española en hacerlo.

A lo largo de su carrera, Belén ha alternado su trabajo en historietas con colaboraciones para marcas de diseño de moda, editoriales y empresas de videojuegos. Su estilo artístico, influenciado por animes y mangas icónicos como «Dragon Ball» y «Sakura, cazadora de cartas», ha resonado con audiencias de todo el mundo.

Más allá de sus logros individuales, Belén es un referente para las nuevas generaciones de ilustradores. Su compromiso y dedicación la llevaron a ser parte de eventos de gran envergadura, como la Feria Internacional del Cómic de San Diego, donde representó con orgullo a España y su rica tradición en el mundo del cómic.

Con una trayectoria envidiable y un futuro prometedor, Belén Ortega sigue siendo una inspiración para todos aquellos que sueñan con hacer del arte su vida.

Daniel Sampere

En las calles empedradas de Barcelona, en 1985, nació un artista cuyo lápiz danzaría entre sombras y luces, tejiendo mundos y narrativas que resonarían en corazones a lo largo y ancho del mundo. Daniel Sampere, un alquimista del dibujo, cuyas manos, a pesar de las adversidades, trazaron historias que trascendieron fronteras. Desde las páginas de «El Alquimista» hasta los oscuros rincones de Gotham, su arte es un susurro poético en el vasto universo del cómic.

Daniel Sampere

Daniel Sampere, nacido en Barcelona en 1985, es un destacado dibujante que comenzó su carrera profesional a la temprana edad de 19 años. A pesar de su talento, toda su obra permanece inédita en España. En 2009, Sampere debutó con su primer cómic, «M.I.L.F Magnet», seguido de «Domino Lady» para la editorial americana MoonStone. Ese mismo año, tuvo la oportunidad de trabajar en la miniserie «Vampirella: The Second Coming» para la editorial Harris, aunque solo pudo completar dos de los cuatro números debido a una tendinitis.

En 2010, realizó la adaptación a novela gráfica de «El Alquimista» de Paulo Coelho para Lion Books. Su presentación en el Comic Con de Nueva York le abrió las puertas para trabajar en «Red Sonja: Revenge of the gods» de Dynamite Comics, considerado uno de sus mejores trabajos. En 2011, Sampere se unió a DC Comics, donde ha trabajado en numerosos títulos, incluyendo la JLA.

A lo largo de su carrera, Sampere ha trabajado en una amplia variedad de títulos, incluyendo «Liga de la Justicia Oscura», «Batman», «Green Arrow», «Superman», «Injustice», «Escuadrón Suicida», y muchos más. Su trabajo ha sido publicado por sellos como ECC, ZONA COMIC, y SALVAT, entre otros. En 2023, trabajó en la serie «CRISIS OSCURA» para ECC, que promete ser otro hito en su ya impresionante carrera.

Con un estilo distintivo y una dedicación inquebrantable a su arte, Daniel Sampere ha dejado una marca indeleble en el mundo del cómic. Su pasión y habilidad lo han establecido como uno de los dibujantes más respetados de su generación.

Bruno Redondo

En las tierras de Castilla-La Mancha, donde los molinos de viento danzan con el horizonte, nació un ilustrador llamado Bruno Redondo. Con trazos que evocan la pasión y la fantasía, Bruno ha tejido historias que trascienden el papel, llevándonos desde las calles de Alcázar hasta los confines del universo DC Comics. Como un moderno Quijote, armado con su lápiz en lugar de una lanza, ha conquistado los Óscar del cómic y ha dejado una huella indeleble en el corazón de los amantes del arte secuencial. En cada página, Bruno nos invita a soñar, a creer y a volar junto a él en su viaje ilustrado.

Bruno Redondo

Bruno Redondo: Una Trayectoria Ilustre en el Mundo del Cómic

Bruno Redondo, oriundo de Alcázar, es un reconocido ilustrador y dibujante que ha dejado una huella indeleble en el mundo del cómic. Nacido en Castilla-La Mancha en 1981, Redondo inició su carrera profesional en 2003 con la miniserie «Wendal», publicada por Dolmen Editorial. A pesar de que la serie quedó inconclusa, este fue el comienzo de una carrera llena de éxitos y reconocimientos.

Tras su debut, Redondo se trasladó a Barcelona, donde trabajó para Estudio Fénix y simultáneamente impartió clases de cómic en la Escola Joso y en la Escola Fem Art. Su talento como dibujante lo llevó a trabajar en series como «Galactik Footbal» y «Tras los pasos del de la triste figura», entre otras.

Sin embargo, fue en 2013 cuando su carrera tomó un giro significativo al sumergirse en el mundo de los superhéroes, específicamente con DC Cómics. Desde entonces, ha trabajado en series icónicas como «Injustice», «Superman», «Liga de la Justicia» y «Nightwing». Además, hizo una incursión en el universo de Star Wars con «Darth Maul. Pena de muerte».

Redondo ha sido merecedor de dos Premios Eisner, considerados los Óscar del cómic, en las categorías de Mejor Serie Regular y Mejor Portadista por su trabajo en «Nightwing». Estos premios, entregados en la Comic-Con de San Diego, California, son un testimonio del calibre y la excelencia de su trabajo.

Además de su contribución al mundo del cómic, Bruno ha tenido un impacto en su ciudad natal, Alcázar. Gracias a su colaboración y diseño del cartel, el Patronato de Cultura de Alcázar pudo celebrar la primera edición de VIÑETALCÁZAR.

A lo largo de su carrera, Redondo ha trabajado en numerosas obras, incluyendo «Wendal», «Injustice. Gods Among Us», «Star Wars. Darth Maul. Pena de Muerte», «Red», «Superman», «Sociedad de Tierra 2», «Liga de la Justicia», «Escuadrón Suicida», y la reciente «Nightwing», entre muchas otras.

Con una dedicación y pasión inquebrantables por su arte, Bruno Redondo continúa siendo una figura prominente en el mundo del cómic, inspirando a generaciones con su talento y visión únicos.

Jorge Fornés

En las vibrantes calles de Barcelona, en 1975, nacía un talento autodidacta, Jorge Fornés. Sin academias que moldearan su arte, sus manos pintaban historias que cruzaban océanos, llegando al corazón del cómic norteamericano. Desde un taller de coches hasta las páginas de Batman y Daredevil, Fornés se convirtió en el susurro poético del mundo de las viñetas, dejando una estela indeleble en el universo de los superhéroes.

Jorge Fornés

Jorge Fornés, nacido en Barcelona, Cataluña en 1975, es un reconocido artista autodidacta del mundo del cómic. Originario de Vilanova i la Geltrú, Fornés no tuvo una formación formal en el mundo del arte, pero su pasión y dedicación lo llevaron a ser uno de los talentos más destacados del cómic norteamericano contemporáneo.

Antes de hacerse un nombre en la industria, Fornés colaboró con editoriales independientes tanto españolas como estadounidenses, todo mientras trabajaba en un taller de coches. Sin embargo, su gran oportunidad llegó en 2014, cuando comenzó a trabajar para la editorial DC. Su talento no tardó en ser reconocido, y en 2019, su trabajo en varios números de “Batman” bajo el guion de Tom King le catapultó al estrellato. Además de Batman, también ha trabajado en “Héroes en crisis” con King, “Daredevil” para Marvel, y “Hot Lunch Special” para AfterShock Comics.

El año 2020 marcó otro hito en su carrera, al reunirse nuevamente con King para trabajar en “Rorschach”, una serie que explora el universo Watchmen 35 años después de la obra original de Alan Moore y Dave Gibbons.

Fornés ha dejado su huella en una serie de títulos notables a lo largo de los años, incluidos “La Asombrosa Patrulla-X”, “Lobezno y la Patrulla-X”, “Guardianes de la Galaxia”, “Doctor Extraño”, y muchos más para editoriales como PANINI COMICS y ECC.

Más allá de su trabajo en cómics, Fornés también ha hecho contribuciones teóricas en el mundo del cómic, con obras como “Z” del sello LAUKATU EDICIONES en 2020, y trabajos para ECC CÓMICS y FOCUS en 2023.

La trayectoria de Jorge Fornés es un testimonio de dedicación, pasión y talento innato, consolidándose como uno de los artistas más influyentes en el mundo del cómic contemporáneo.

Iñaki Miranda

En el vasto lienzo del arte y la narrativa, surge la figura de Iñaki Miranda, un alquimista de la pintura y el cómic. Con raíces en Bellas Artes y ramas extendiéndose hacia las páginas de DC Comics, su talento floreció en la aclamada obra «We Live», coescrita con su hermano. 2020 marcó su danza con el arte contemporáneo, presentando al mundo «JOII» en la Duran Monkey Gallery, un canto a la fusión del arte y el entretenimiento. Iñaki ve en el entretenimiento un titán que nos nutre, y aspira a elevar su esencia hacia los cielos del arte contemporáneo.

Iñaki Miranda

Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Pintura, Inaki Miranda procede del mundo profesional del cómic; casi dos décadas trabajando para DC Comics.

En 2020 crea y escribe junto a su hermano la obra We Live, éxito de críticas y ventas en USA y Francia, galardonada con una nominación a los prestigiosos Premios Eisners como mejor miniserie de cómics de 2020.

Ese mismo año, Inaki da su salto oficial al mundo del arte contemporáneo a través de su primera exposición JOII(Juice of the Industry) en Duran Monkey Gallery, denominada Superdragon Genesis, primera parte de la trilogia Superdragon. JOII es un ambicioso proyecto artístico, que propone la unión definitiva entre el arte contemporáneo y la industria del entretenimiento.

“La industria del entretenimiento es el titán de nuestro tiempo; nos alimenta y regenera. Propongo extrapolar y destilar su poderoso lenguaje narrativo, dejarlo libre y potenciarlo, acercar su energía creativa de un modo sincero y positivo a los horizontes infinitos y trascendentales del arte contemporáneo”.

Ruiz Burgos

En el crisol de creación que palpita en el corazón de Granada, donde la historia antigua se entrelaza con la modernidad vibrante, nació y se forjó Ruiz Burgos, un prodigio cincelado por el destino en el panteón de los artistas fanart más destacados del mundo. Este hijo de la Alhambra, primero conocedor de los secretos del diseño gráfico, halló su verdadera vocación entre los ecos susurrantes de los corredores de la Escuela de Arte de Granada, donde la licenciatura en Ilustración y el descubrimiento de un camino inexplorado, gracias a un compañero de estudios, delinearon su propósito. Desde aquel primer paso en el año 2013, la industria del cómic ha sido testigo de la pluma mágica de Burgos, su talento ha embellecido portadas de renombre para casas editoriales como IDW, Zenescope, Red Giant Entertainment, Amigo Comics, Take-Two y Upper Deck. Sus pinceladas han revivido universos tan icónicos como Sherlock Holmes, GI Joe, Uncharted, Star Wars, Street Fighter, Resident Evil, The Crow y Alien, regalándonos una visión singular de mundos tan queridos, capturados en el lienzo infinito de su imaginación.

Juan Carlos Ruiz Burgos

Nacido en Granada (España). Tras trabajar durante un tiempo como diseñador gráfico, se licenció en Ilustración en la Escuela de Arte de Granada. Allí, gracias a un compañero de clase, descubrió lo que quiere para su futuro profesional. Comenzó a trabajar como artista de portadas en la industria del cómic en el 2013.

Aunque la mayor parte de su trabajo es para cómics, también ha desarrollado arte para todo tipo de proyectos como portadas de discos, libros, revistas o carteles de cine. Además, es un formador en línea de Arte Digital en Pixelodeon 3D School.

Ruiz Burgos ha trabajado para IDW, Zenescope, Red Giant Entertainment, Amigo Comics, Take-Two o Upper Deck, con licencias tan conocidas como Sherlock Holmes, GI Joe, Uncharted, Star Wars, Street Fighter, Resident Evil, The Crow o Alien .

Liliana Lamata

Nacida en un abril nevado de 1963 en Madrid, y criada en el vibrante Caracas, esta fotógrafa encontró su mundo detrás del lente, herencia de un padre director de televisión. Aunque estudió números, su corazón latía en imágenes, y el arte la llamó con fuerza irrevocable. Su cámara, más que un instrumento, se convirtió en una extensión de su ser. Un día de 1995, un disparo casual reveló la belleza divina de la maternidad ante sus ojos, y desde entonces, su arte se volvió una oda a la mujer en su estado más puro y poderoso. Aquí les presentamos a una fotógrafa que, en cada disparo, captura algo más profundo, algo eterno.

Liliana Lamata

Nací en Madrid un abril nevado de 1963. Me crié en Caracas, Venezuela. Con un padre Director de televisión no es extraño haber crecido entre imágenes, actores y técnica. Como si se tratara de un embrujo, mientras despertaba a la vida, cada una de las palabras articuladas en conversaciones versadas en las ultimas tendencias audiovisuales del momento, fueron sellando sin escapatoria mi destino como fotógrafa.

Como tratando de confundir mi rumbo, estudié Administración y Contaduría en la Universidad Católica Andrés Bello de Caracas, pero el destino no se equivoca. Luego de 4 años y muchos pesares académicos, una interrupción afortunadamente forzada, devolvió el orden establecido desde mi infancia alejandome de los números y acercanddome al arte.

Mis estudios de Dirección y Producción de televisión, edición y montaje, me colocaron a manera de práctica detrás de mi primera cámara fotográfica. Cursé estudios de fotografía de la mano de Ricardo Armas, Taller Manoa 1989. Allí se gestó lo que sería mi pasión por la fotografía por el resto de la vida, y lo digo sin temor a equivocarme. No me he alejado de ella desde entonces.

Mis primeros trabajos fueron como foto fija en largometrajes tales como Jericó (Premio Gran Coral de la Habana y nominada a los premios Goya 1992) y Desnudo con Naranjas de Luis Alberto Lamata, Una vida y dos Mandados de Alberto Arvelo, Pandemonium de Román Chalbaud entre otras. También fueron las telenovelas producidas por Radio Caracas Televisión, Venevisión y Marte Televisión durante los años 90 las que entrenaron mi ojo y mi técnica.

Un día fortuito de 1995, hacía unas pruebas de luz con mi única modelo disponible quien estaba embarazada para ese momento. Lo que en un comienzo pensé había sido un error de iluminación, una vez positivada la imagen en mi cuarto oscuro y en blanco y negro, resultó la revelación de la belleza de la maternidad ante mis ojos.

Han transcurrido 23 años de ininterrumpida dedicación, casi exclusiva, al desarrollo en imágenes en relación al tema de la maternidad. Mi propia maternidad en 1999 marcó un hito en la percepción de la gestación como evento privilegiado y único en la vida de la mujer. Desde entonces, he fotografiado a mas de de 5000 mujeres embarazadas.

Trabajos personales como “Madres de Barro” y “Ausencias” han complementado mi búsqueda personal. A partir de 2007, hice la transición oficial a la tecnología digital. Eso, me ha impulsado a mantener al día mis conocimientos en el manejo de programas de edición como Photoshop cuya habilidad me ha permitido expandir mi proceso creativo a niveles que reconozco infinitos.

En 2017, la vida me devolvió a España. Ahora radicada en Asturias, mi mirada se ha vuelto especialmente curiosa en estas tierras antiguas. Actualmente estoy desarrollando temas que relatan tradiciones, amalgamando mi pasión por la historia, la pintura y la fotografía. La macro fotografía también está ocupando un espacio importante en mi quehacer fotográfico. Todavía mucho por venir.

Pablo Iglesias Prada

Anclado en el corazón de Gijón, habita Pablo Iglesias, el artista plástico cuyas pinceladas y trazos de grafito brotan de las acuarelas de Diseño e Ilustración que pintó en la Escuela de Artes de Oviedo. Con una paleta enriquecida por el cine, la litografía y la potencia de los Motion Graphics, este creador ha esculpido su arte en el lienzo del dibujo, la pintura, el cómic, el video y la fotografía, tocando con su inspiración las esquinas del mundo, desde las calles estrechas de Gijón hasta los rascacielos de Hong Kong y Miami. Decorado con honores y becas, como el premio Art-Nalón 2004 y la Beca Cajastur 2011, Pablo plantea su caballete en el centro de la humanidad y, con audaz honestidad, captura en sus pinturas la sombra esquiva de la maldad humana

Pablo Iglesias Prada

Pablo Iglesias es un artista plástico que desarrolla su actividad en Gijón, ciudad dónde reside. Cursó estudios de Diseño e Ilustración en la Escuela de Artes de Oviedo, estudios éstos que complementaría con los realizados sobre «creación audiovisual», «práctica cinematográfica», «litografía y grabado», o el Máster Profesional en Creación, Dirección y Realización de Motion Graphics en la escuela CICE, entre otros. Éste creador maneja fundamentalmente el dibujo y la pintura aunque hemos visto plasmar sus inquietudes en otras disciplinas como son el Comic, el vídeo o la fotografía, mostrando su trabajo en lugares como: Gijón, Oviedo, Madrid, Hong kong, Londres, Bruselas, Estambul o Miami. Entre los premios con los que se ha obsequiado la labor de este artista destacamos el premio Art-Nalón 2004, la Beca Cajastur para artistas 2011, el premio «Asturias Joven 2005» de artes plásticas, la IVBeca Al-Norte o las subvenciones concedidas por el ayuntamiento de Gijón para producciones artísticas en las ediciones de 2008 y 2014.

Trato de capturar la maldad humana en mis pinturas.

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Saniose

Adéntrate en la sinfonía visual que es el mundo de Saniose, ese prestigioso maestro de los lienzos imaginativos y el lienzo digital que desborda creatividad por cada pixel y pincelada. Sus obras, vívidas y evocadoras, son testamento de una pasión que se desliza sobre los dominios de la cultura popular, la música, el arte clásico y todas aquellas musas que en su camino se cruzan. Saniose, con su mirada aguda, plasma el detalle más insospechado, abrazando la belleza del arte en sus múltiples manifestaciones. Cada ilustración, cada cartel cinematográfico, cada serigrafía, es un fragmento de su alma, una demostración irrefutable de su compromiso con el arte que conmueve y desafía. Que si eres ferviente admirador de lo alternativo, o simplemente un apreciador de la estética sublime, encuentres en su obra ese hechizo que te atrapa y te cautiva. Y en la forja colectiva de @spainters.collective, este visionario despliega aún más su talento, fusionándose con otros artistas en la creación de piezas innovadoras y emocionantes. Así es Saniose, soñador apasionado, artista insaciable, tejedor de sueños en la tela de nuestro mundo visual.

Saniose

Saniose es un artista y diseñador gráfico, con gran habilidad para crear llamativos carteles e ilustraciones. Se especializa en carteles de películas alternativas limitadas, ilustración y serigrafía, y produce obras de arte que muestran su pasión por las películas, juguetes, zapatillas, coleccionables, cultura pop, música, así como el arte clásico y cualquier otra forma de arte que lo inspire. Con un ojo agudo para el detalle y una profunda comprensión del poder del arte, Saniose ha ganado una reputación como un soñador y artista muy apasionado. Su creatividad y dedicación a su oficio son evidentes en cada pieza que crea, lo que demuestra su compromiso con la producción de arte inspirador y significativo. Si eres fanático de los carteles de películas alternativas, la serigrafía o simplemente aprecias la belleza del arte, esperamos que el trabajo de Saniose te cautive y te atrape. Además, Saniose es cofundador y miembro de @spainters.collective, donde colabora con otros artistas para crear emocionantes e innovadoras obras de arte. Gracias por visitar el sitio web de Saniose, y te invitamos a explorar su increíble portafolio de trabajo.

Juan Falcón

En las tierras asturianas de Oviedo, donde brotan la creatividad y la tradición, nació Juan Falcón García en 1985. Con manos guiadas por la pasión y la técnica, emprendió su travesía en la Escuela de Arte, buscando la esencia y la voz en el grabado y la estampación. Su sendero, forjado en experimentación y renacimiento, ha sido un constante baile con los átomos resignificados, dando vida a un mundo de imágenes y significados, tocando los límites de lo material y lo simbólico. Un joven artista, un alma en constante evolución.

Juan Falcón

Bio

Juan Falcón García (Oviedo, 1985) comenzó su formación artística en la Escuela de Arte de Oviedo donde se tituló como Técnico Superior en Grabado y Técnicas de Estampación (2008). El trabajo y la experimentación han sido, a partir de entonces, una constante en su camino hacia un lenguaje y una expresividad definidos y personales. Destacan, entre sus experiencias formativas más recientes, su paso por los talleres de Litografía Viña y la subvención para producción artística que le otorgó la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón (2020).

Los avances y aportaciones de este joven artista han sido reconocidos en el ámbito estatal y en el circuito regional, a través del XIV Certamen Fundación Unicaja de Artes Plásticas (2021), o mediante premios como el que el Valey, Centro Cultural de Castrillón, le otorgó dentro del marco de producción de proyectos expositivos (2017). La participación de Juan en diversas ferias y muestras, individuales y colectivas, dan una perspectiva clara de su interés en la investigación material, formal, conceptual y simbólica como un todo en interacción. Era_ átomos resignificados es la culminación de estos avances.
FORMACIÓN ACADÉMICA

2005-2008. Técnico Superior en Grabado y Técnicas de Estampación. Escuela de Arte de Oviedo.

FORMACIÓN COMPLEMENTARIA

2009-2010. Nuevas tecnologías en grabado y estampación. Litografía Viña.

PREMIOS

2021. XIV Certamen Fundación Unicaja de Artes Plásticas / XLIV Concurso Nacional de Pintura Casimiro Sainz / Accésit Art Nalón.

2019. XXII Premio de Artes Plásticas «Sala El Brocense». Diputación Provincial de Cáceres.

2017. Mención de Honor Premio de Pintura Joven Ibercaja, Zaragoza / Programa de exposiciones de jóvenes artistas plásticos en la Sala Borrón de Oviedo / Premio Proyecto Expositivo a la Producción. Valey Centro Cultural de Castrillón.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2022. «Mundo-Imagen» Sala Antigua Rula. Gijón.

2019. «ERA_ átomos resignificados». Sala 1 Centro Cultural Antiguo Instituto. Gijón.

2018. «Digital & Materia». Sala Borrón. Oviedo.

2017. «Semillas de hoy». Valey Centro Cultural de Castrillón, Piedras Blancas.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2022. Arte asturiano en Residencia. LABoral Centro de Arte. Gijón.

2021. «Un Relato Polifónico». Sala 2 Centro Cultural Antiguo Instituto. Gijón.

2020. 30 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias.

2019. 29 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias.

2018. Muestra de Arte Joven en La Rioja. Sala de exposiciones ESDIR, Logroño / Obra Abierta. Centro Cultural Las Claras, Plasencia, Extremadura / COIN. Muestra Experimental Vídeo Art. Avilés / «Aún sueño». Centro Municipal de Arte y Exposiciones (CMAE) de Avilés.

2016. «Artistas y derivados». Estrategias creativas de una generación en busca de… (1980-1989). Museo Barjola. Gijón.

COLECCIONES

Fundación Unicaja.

Patrimonio Artístico de la Diputación de Cáceres.

Patrimonio Artístico del Ayuntamiento de Reinosa.

Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo.

Ziortza Larrategi Gómez

Emergiendo de las profundidades de la cultura vasca, Ziortza es un destello de creatividad, un manantial de arte que aflora en Bilbao. Desde su formación en Bellas Artes, su vida ha sido un baile entre la ilustración, el diseño gráfico y la plástica, un lienzo en constante transformación. Su arte, nacido en el crisol de los movimientos asociativos bilbaínos, se ha convertido en una fuerza que busca el cambio, una respuesta creativa a la necesidad de un mundo más sostenible. El proyecto de ilustración «Histerika Hayfield», impregnado de combatividad y afecto, es una expresión de su compromiso inquebrantable con el colectivo y las luchas sociales. Con cada trazo y cada color, Ziortza busca trazar una senda de empoderamiento, poniendo el arte al servicio de la sociedad.

Ziortza Larrategi Gomez

Kaixo! Soy Ziortza, una ilustradora, diseñadora gráfica y artista plástica de Bilbao.
Desde que me licencié en Bellas Artes en el 2010, con especial interés en el dibujo y la pintura, he ido compaginando diferentes ámbitos laborales con la creación gráfica. Durante ese periodo mi producción estuvo principalmente vinculada a diferentes movimientos asociativos de Bilbao. A finales del 2021 decidí centrarme exclusivamente en la ilustración y el diseño gráfico. Para ello me formé en diseño y producción de soportes gráficos multimedia y en ilustración editorial y publicitaria.

Actualmente tengo entre manos un pequeño proyecto de ilustración «combativa y afectiva» llamado Histerika Hayfield. También trabajo como diseñadora e ilustradora freelance y ejerzo como facilitadora en cursos y talleres de pintura y creatividad.

Entiendo la creación gráfica como una posible herramienta de cambio que dé respuesta a la necesidad de hacer de la vida un espacio más sostenible. Apuesto por una perspectiva en la que las artes estén al servicio de las necesidades de cambio y empoderamiento de la sociedad, y es por ello que mi aporte gráfico sigue estando fuertemente ligado a lo colectivo y a las luchas sociales.

Xisco Fuster

En los reflejos de luz y sombra, en los contornos de la arquitectura y el paisaje, Xisco Fuster teje un tapestry de imágenes, uniendo destinos tan diversos como uniendo destinos tan diversos como Madrid, Bogotá o Mallorca. Sus lentes capturan momentos fugaces, creando pinturas con la luz, revelando lo efímero y eterno. Desde los rincones íntimos de las galerías hasta las calles bulliciosas de las ciudades, su obra es un canto poético a la belleza de lo visto y lo oculto, un diálogo constante entre el fotógrafo y el mundo.

Xisco Fuster

Adentro. Fijarse en el detalle es proclamar lo que todo fotógrafo aduce para definirse, pero creo que que hay que llegar más lejos. Siempre. Dar otra vuelta de rosca. Una más. Adentro. Porque lo trivial, por buena idea que parezca, está dicho (por eso es trivial, porque se multiplica millones de veces). Creo que es esencial marcar tu personalidad en tu obra y trabajar en un acto que todo ególatra obvia: la comunicación. Es decir, te muestro algo enmarcado en cuatro límites para que te sumerjas en ello y revivas tus fantasías personales (este es de hecho, en mi opinión, el principio del arte abstracto, aunque la Fotografía siempre debe ser clara, nítida, sincera).
Y permanecer viva. Siempre. Una obra de arte no se extingue hasta que tú mueres o abandonas la búsqueda de nuevas experiencias.

EXPOSICIONES – PREMIOS – AGENCIAS

2020-2023 – Fotógrafo en Engel & Völkers Mallorca

2021 Tutorial con David Jiménez, fotógrafo revelación PhotoEspaña 99

2020, Julio. MA Galería de Arte Contemporáneo . Exposición colectiva «CON-FIN-ARTE». Palma.

2020, Julio. MA Galería e Arte Contemporáneo . Exposición colectiva «CON-FIN-ARTE». Palma.

2020, Abril. MA Galería e Arte Contemporáneo . Exposición virtual colectiva (por el confinamiento por el Coronavirus) «CON-FIN-ARTE». Palma.

2019, marzo. Primer premio Concurso de Fotografía Port Adriano 2019.

©xiscofuster

2018-2019, diciembre a febrero. Galería MA Arte Contemporáneo. Palma, España. Exposición colectiva «Un libro, dos vidas».

2017, de noviembre a marzo 2018. Exposición de fotografías artísticas en Galería Redwall Photogallery. Madrid, España

Especial monográfico del fotógrafo Xisco Fuster en Redwall Photogallery, Goya, 6. Madrid.

2018, abril. Exposición individual. Feria de Manizales. Manizales, Colombia.

2017, julio. Exposición de fotografías de Mallorca en la Sala Capitular de la Cartoixa. Valldemossa, España.

2017, Febrero-abril. Exposición colectiva Mare Nostrum. Galería MA Arte Contemporáneo. Palma. España. Abril 2018.

Marga y Nacha se autorretratan frente a una de mis fotos expuestas mientras yo permanezco en Colombia trabajando en un reportaje para la Embajada de España.

2016, octubre. Nit de l’art Palma. Bar Gibson. Palma, España. Exposición individual.

©xiscofuster

2016, julio. Exposición individual de arte organizada por la Embajada de España. Bogotá, Colombia

2016, Mayo, prorrogada a junio. «Bogotá, gran urbe». Casa de España en Bogotá, Colombia.

2016, abril. Exposición individual «Bogotá, gran urbe». Centro Cultural de la Embajada Española en Colombia. Bogotá, Colombia.

Triptych printed for the exhibition Bogotá, large city, by Xisco Fuster.

Tríptico impreso para la exposición Bogotá, gran urbe, de Xisco Fuster.

2016, marzo. Exposición conmemorativa del arquitecto español expatriado en Colombia Juan Antonio Menéndez. Fotos de Xisco Fuster. Centro Cultural de la Embajada Española. Bogotá, Colombia.

Xisco Fuster con la representante de Cultura de la Embajada de España, Julieta Mrocek y Julio Pérez, el actual (2019) rector del Colegio Reyes Católicos, de Bogotá.

2015, abril. Exposición en Escuela Taller del Ministerio de Cultura de Colombia, calle 8, junto al Congreso. Desde mayo 2015 a abril 2016. Bogotá, Colombia.

2015, agosto, prorrogada a septiembre. Exposición individual «1+1=0 Vivir la calle». Teatro Eliecer Gaitán. Cinemateca Distrital. Bogotá, Colombia.

1989, junio. Exposición colectiva de fotografía novel. Casal Solleric. Palma, España

1985 Premio Maratón de Fotografía del Ajuntament d’Alcúdia. Alcudia, España.

CONFERENCIAS
2016 – Conferencia magistral de fotografía Escuela Taller de Bogotá. Ministerio de Cultura. Febrero 2016. Bogotá, Colombia.

2015 – Conferencia «Más allá de las verticales en fotografía arquitectónica». Universidad Jorge Tadeo Lozano. Bogotá, Colombia Abril 2015

2015 – Conferencia «Verdades y mentiras de la fotografía». Colegio Reyes Católicos. Bogotá, Colombia. Abril 2015

2015 Conversatorio con el arquitecto Jairo Llanos en Escuela de Fotografía Labloom. Bogotá, Colombia. Abril 2015

TALLERES Y CURSOS IMPARTIDOS + EXPERIENCIA PROFESIONAL
desde 2020 – Fotógrafo en Engel & Völkers Mallorca (Sóller, Deià, Alcúdia, Pollensa, Santanyí, Son Vida, Andratx, Santa Ponsa, Portals, Bendinat, Palma).

2019 – Fotógrafo fijo en Balear Invest Inmobiliaria.

2019 – Webmaster, fotógrafo y redactor de lafotografiaesmipasion.com

2019 – Curso de fotografía en Udemy.

2018-2010 – Periódico ÚLTIMA HORA (el de mayor tirada en Baleares). Más de 600 fotografías publicadas (algunas en portada).

2018 – 2010 – Fotógrafo para inmobiliarias. VON POLL inmmobilien, First Mallorca, Engel & Völkers, Villas de Mallorca, Rest & Villas, Terra Mallorca así como usuarios particulares de Airbnb y otros.

2018-2016 -Fotógrafo para páginas web. Bar Gibson, Mojito restaurante…

2018-2017 – Galerista de Fotografía en RedWall Photogallery. Madrid, España

2018 – Edición (redacción, diseño y fotografía) de cuatro libros de Fotografía: «Conoce tu cámara», «Disparar siendo yo quien manda», «Corazón de Fotógrafo» y «Desnúdate».

2018 – Creación, grabación, presentación y postproducción de videos de curso de Fotografía online para Aprender Fotografía Online.

2017 – Encargo especial de la Embajada de España en Colombia para cubrir el reportaje íntegro de la Feria Taurina de Bogotá 2017. Bogotá, Colombia.

2017 – Fotografía de la campaña publicitaria 2017 de Proquinal para la Revista Axxis. Colombia.

2017 – Taller de cámara oscura y revelado analógico en el colegio Reyes Católicos de Bogotá, Colombia. Marzo 2017.

2016 – Fotografía de la campaña publicitaria 2016 de Proquinal para la Revista Axxis. Colombia.

2016 – Taller de fotografía arquitectónica para arquitectos. Escuela Taller de Bogotá. Ministerio de Cultura. Bogotá, Colombia. Febrero, marzo, abril 2016.

2016 – Presentación de la Guía Gastronómica de Bogotá a cargo del Instituto Distrital de Turismo en la Feria Anato 2016. Bogotá, Colombia.

La foto de la izquierda, para la Guía Gastronómica de Bogotá, aparecería después imitada en una gran campaña de la televisión de Transmilenio.

2015-2010 – Asistente fotografía de Bering Comparini y redactor en Comparini Asociados. Fotografía y Publicidad. Mallorca, España.

2015 Profesor en 8 talleres de fotografía básica «Fototón» en Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República. Bogotá, Colombia.

2015 – Taller de Fotografía arquitectónica a los alumnos de arquitectura de la Universidad Nacional. Manizales, Colombia. Junio 2015.

2015-2009 – Fotógrafo ESPECIALIZADO EN ARQUITECTURA para inmobiliarias de casas de lujo VON POLL, First Mallorca, Engel &Völkers, Villas de Mallorca y Rest & Villas así como usuarios particulares. Publicación de estas imágenes en webs prensa alemana y revistas prestigiosas de Mallorca: ABC Mallorca…

2015 – Fotógrafo del libro Avenida Jiménez en Bogotá editado por la Fundación Amigos de Bogotá. Colombia. Diciembre 2015.

2015 – Fotógrafo del libro Guía Gastronómica de Bogotá editado por el Instituto Distrital de Turismo de Colombia. Noviembre 2015.

Fotografía de portada de la Guía gastronómica de Bogotá. ©xiscofuster

2010-2012 Fotógrafo de BOLETINES INFORMATIVOS (newsletters) para empresas. Especias Crespí, de Palma de Mallorca, España, y Vinos José Luis Ferrer, de Binissalem, España.

2010 – Fotógrafo de viajes. Tanzania. Dar Es Salaam, Kigoma y campo de refugiados de Nyagurusu. Diario Ultima Hora. Florencia. Reportero, fotografía y redacción, en Revista Namasté. Un paseo por Florencia.

Playa en el Océano Pacífico. Dar Es Salaam. Tanzania ©xiscofuster

1996 – Fotógrafo del primer periódico gratuito en la provincia, «EL MINIPERIÓDICO», Mallorca, España.

1999 – editor, redactor, fotógrafo del periódico «LA GACETA DE MALLORCA», para El día del Mundo, Mallorca, España.

2000 – editor, redactor, fotógrafo de la revista «OH, CIELOS», para El día del Mundo, Mallorca, España.

2001 – editor, redactor, fotógrafo de la guía turística «Lo mejor de Mallorca», traducida a tres idiomas. Mallorca, España.

2001 – editor, redactor, fotógrafo del libro de cocina «Cocina mallorquina». Ludiprex ediciones. Mallorca, España.

1990-1994 – Asesor técnico en venta de equipos fotográficos en tienda de fotografía Fotoprix en Palma de Mallorca. Palma, España.

1995 – Profesor/tallerista en curso básico de Fotografía Analógica en Casal Solleric esponsorizado por Fotoprix. Palma, España.

1990-1999 Reportaje social. Enlaces matrimoniales. Reportajes de vídeo y fotografía. Mallorca, España.

OPINIONES DE COLEGAS ARTISTAS
Bering Comparini, fotógrafo, pintor, director creativo Comparini Asociados.

Es interesante notar cómo las fotos de Xisco Fuster están cargadas de esa «pequeña sensación» que a los que somos fotógrafos de toda la vida nos produce esta obra, y el pequeño desencuentro y desasosiego que nos causa con nuestra propia profesión al constatar tan buenos resultados con tanta simplicidad. Desprovisto de sofisticación, pone en juego simplemente armonías de color y forma, como un pintor rupestre, buscando resolver ese enigma mágico que produce el placer estético del hallazgo visual.

©xisco fuster

Jesús Cánovas, pintor

A mí me parecen obras de arte las que tienen morado y rojo. Hay otras que son casi pintura y están muy conseguidas. Hay algunas que son únicas en su realización y concepto.» «Las estoy mirando por segunda vez y veo, sobre todo en las moradas y rojas, la fascinación por lo femenino. El corazón roto de piedra es espectacular.

Leonor Uriarte

En el corazón de Bilbao, en 1964, nació Leonor Uriarte, cuyo viaje artístico la llevó desde las aulas de Bellas Artes en Barcelona hasta las playas y bosques que capturó con su lente. Su pasión la llevó a inmortalizar momentos históricos, como la primera boda entre dos personas del mismo sexo en España, y a explorar la introspección a través de su obra «Dibujando Silencios». Con cada fotografía, Leonor no solo captura imágenes, sino que también busca la calma mental y la poesía del paisaje en silencio.

Leonor Uriarte

Biografía

Leonor Uriarte, Bilbao 1964.

Licenciada en BBAA por la Universidad de Barcelona . He cursado fotografia

profesional

en Las Arenas (Bizkaia) y realizado diversos talleres monograficos en

ARTELEKU, Tarazona, CFC .

He trabajado como fotógrafa profesional, BBC, publicitaria y catálogos de

artistas plásticos y de danza.

Tuve el placer de tomar las fotografías de la primera boda reconocida entre dos

personas del mismo sexo en España. Trabajado para EHU, Revista Codi y

AEQUUS de arquitectura, y Bizkaiko Txakolina.

EXPOSICIONES

Casa cultura Gorliz 2022. Exposición Individual “Dibujando Silencios”

Sociedad fotográfica Donosti 2022. Exposicion Individual “Dibujando

Silencios”

Visual korner. 2023. Barcelona. Exposición Individual “Dibujando

Silencios”

Casa cultura Cruces 2023. Exposicion Individual “Dibujando Silencios”

Sociedad Fotografica Donosti. Setiembre 2023. Exposicion Individual

“Interludio tras el cristal”

Becada por Ayuntamiento de Sestao 1995 para realizar Fotografías en el

Petrolero

Bay ridge bandera liberiana, durante su travesía Aruba, Islas Sethland , Egipto.

Tomadas con cámara analógica totalmente mecánica 35mm en diapositiva

Polaroid.

Una de las imágenes fue la imagen de Promoción en el embotellado de la

primera edición de Txakoli Itsasmendi nº7. Colección privada de la empresa.

Becada por BilbaoArte en producción 2023 proyecto “Interludio tras el cristal”

Declaración del Artista o Statement

Titulo de la OBRA – “ARTIKUTZA I “ del 2021

perteneciente al proyecto “Dibujando Silencios”

Fotografío mientras recorro bosques y playas, busco la

introspección y la calma mental, miro con curiosidad

estetica y humana escuchando simbolicamente el paisaje

en silencio. La edición de la imagen acentua la poetica

en una cierta manera pictorica y el papel da cuerpo a la

imagen en origen digital.

Obra presentada : Artikutza I. Del proyecto Dibujando Silencios

Glendor

En la parroquia de Tuilla, en un encantador pueblo llamado La Braña, nace Glendor Díaz Suárez, quien con el arte de su lente firma como “Glendor fine art”. Un oriundo de la Cuenca de Nalón (1978) cuyo nombre, más que un seudónimo, es una promesa de autenticidad. Quizás fue aquel regalo de su madrina, una cámara fotográfica en su primera comunión, el que encendió su pasión por capturar momentos. Desde aquel entonces, Glendor se ha vuelto selectivo, decidiendo con cuidado qué instantes merecen ser inmortalizados. Su salto a la fotografía digital en 2004 marcó un antes y después, y hoy, sus decenas de miles de seguidores en las redes sociales son testigos de su habilidad para plasmar en imágenes lo que muchos sólo pueden sentir. Pese a sus logros, entre los que brilla una Medalla de Oro en la Liga Española de Fotografía 2019, se describe humildemente como un aficionado. Un apasionado del detalle que encuentra su mayor recompensa en las emociones que sus fotografías despiertan en quienes las contemplan. Aquí, en este espacio, te invitamos a descubrir el mundo a través de los ojos de Glendor.

Glendor Díaz Suárez

Se llama Glendor Díaz Suárez y firma sus fotografías como “Glendor fine art”. Para los que no le conocen podría parecerles que su nombre es un seudónimo y él nos comenta: “seguramente sea la primera vez que escuches este nombre…tranquilo, a mi me pasa lo mismo”.

Orgulloso del carácter que imprime haber nacido en la Cuenca de Nalón (1978) y de llegar al mundo en un precioso pueblo llamado La Braña en la parroquia de Tuilla, no se cansa de ponerle adjetivos para enmarcar todo lo bueno que tiene, y nosotros añadimos, que quizá eso le haya influido en su particular forma de ver aquello que le rodea.

No recuerda exactamente sus inicios en la fotografía. Nos comenta que quizá haya sido al hacer su primera comunión, cuando su Madrina le regala una cámara fotográfica. Nunca se olvidaba de ella en aquellos días especiales, y cómo se miraba muy mucho a la hora de apretar aquel botón que abría el diafragma dando paso a la luz que grababa en una película lo elegido. Quizá ahí, casi sin darse cuenta, comenzó a hacerse selectivo a la hora de escoger qué cosas, desde su punto de vista, debían ganarse un sitio en el negativo. Así y todo, no todas pudieron ser reveladas en papel (aún conserva una caja llena de carretes sin revelar en un oscuro cajón) Estudia la asignatura de Imagen y sonido en el Instituto Santa Barbara de La Felguera y aprende a utilizar una cámara réflex, por supuesto, analógica. Gana su primer concurso de fotografía en 1996, y esto acrecienta y le motiva para seguir profundizando en el mundo de la imagen. El año 2004 marca un antes y después en la fotografía, dando el salto a la fotografía digital. Ya no salía a ningún sitio sin *ella y su obsesión por hacer fotos va en aumento . Todo da un giro espectacular años más tarde, cuando aparecen las primeras Redes Sociales y le permiten dar a conocer sus trabajos al resto del mundo (hoy en día tiene decenas de miles de seguidores en las redes sociales).

Al ver sus fotografías, uno, tiene la sensación de lo bien hecho, del trabajo realizado con cariño y esmero… y por supuesto, cuidando hasta el infinito el detalle; digno de un profesional. Él insiste en dejar claro que tan solo es un aficionado que disfruta y que se siente recompensado cuando observa que con sus trabajos las personas se relajan, disfrutan…e incluso se emocionan.

Poco a poco su trabajo ha sido reconocido llegando a ser finalista y ganador de numerosos concursos nacionales e internacionales. Ha sido elegido por la federación española de fotografía (CEF) para representar a España en el “CERTAMEN 27éme FIAP COLOUR BIENNIAL NORUEGA en la categoría nocturnas” y en el «Bienal de Naturaleza de la FIAP, Omán 2018”. Ha conseguido Publicar varias fotografías en la prestigiosa revista National Geografic. Es fotógrafo colaborador en la reconocida agencia Viajes All Tour. Juez en el prestigioso “Maratón internacional fotográfico Starlight”. Pero cuando le preguntamos que de que premio está mas orgulloso nos dice: “indudablemente de La medalla de Oro en la Liga Española de Fotografía 2019 categoría Nocturnas”; Uno se siente muy orgulloso al pensar que es el mejor de su país en algo.

Esto es solo principio de un exitoso currículum en cuanto a premios y éxitos fotográficos se refiere. Y estamos seguros dada su experiencia seguirá sumando a su carrera.

Y permanecer viva. Siempre. Una obra de arte no se extingue hasta que tú mueres o abandonas la búsqueda de nuevas experiencias.